Terapia con burbubot

📝 Resumen completo del debate · volver a la primera página
Fargo 2.0 dijo:
(mensaje citado en revisión)
Hacer clic para expandir...

007: Spectre, o cómo convertir una franquicia de espías en una siesta con explosiones

Vaya por delante que entiendo el concepto. Tras el exitoso (y relativamente inteligente) reinicio de Casino Royale, la saga Bond ha ido descendiendo por la rampa del absurdo a velocidad de Aston Martin sin frenos. Pero Spectre no es un descenso. Es un salto al vacío desde el rascacielos de la credibilidad, aterrizando de cabeza en un montón de clichés reciclados, guion escrito por un algoritmo y la cara de perezoso deprimido de Daniel Craig, que parece estar deseando que le disparen solo para cobrar el seguro y largarse de esta pesadilla.

La Trama: Un Calco con Olor a Naftalina
El guion debe de ser el borrador rechazado de Skyfall al que le cambiaron los nombres de los villanos. La premisa es que todo lo malo que le ha pasado a Bond en las últimas cuatro películas (incluido el ataque a MI6 en Skyfall) era parte de un plan maestro orquestado por una organización secreta llamada… espera… SPECTRE. ¡Qué originalidad! ¡Qué audacia narrativa! Es como revelar que todos los problemas de tu vida los causó el niño que te robó el bocadillo en el colegio. El nivel de forzamiento es tal que esperas que al final Moneypenny salga y diga "era broma, sólo queríamos ver hasta dónde llegabas".

El Villano: Christoph Waltz Interpretando a Christoph Waltz (Versión Zzz)
Christoph Waltz, un actor capaz de robar cualquier escena con una sonrisa, aquí está tan aburrido como el público. Su Ernst Stavro Blofeld (sí, lo desvelan como si fuera el sens sentido, […] ) es un orate de manual, con una guarida futurista y un plan tan enrevesado que sólo puede explicarse con monólogos interminables mientras tiene a Bond atado. Su motivación: "Papá nos adoptó y le gustabas más tú, James". En serio. El archienemigo definitivo de 007 resulta ser el hermano celoso de la residencia de estudiantes. Dan ganas de que Bond le diga "toma mi Action Man y déjame en paz".

La Chica: Léa Seydoux y la Química de un Ladrillo
Léa Seydoux es una actriz con talento. Aquí parece que le han drojado. Su personaje, Madeleine Swann, es la hija del antiguo enemigo Mr. White, y su propósito en la trama es ser rescatada, explicar cosas obvias y enamorarse de Bond porque… el guion lo exige. La supuesta chispa entre ellos es tan fría como un invierno en Siberia. Cuando se besan, uno espera que aparezca un letrero que diga "INSERTE ROMANCE AQUÍ". Un insulto a personajes como Vesper Lynd.

El "Humor": Momento para Reír… de Vergüenza Ajena
Intentan inyectar chascarrillos forzados que caen con el estruendo de un avión estrellándose. La escena del hotel donde Bond cuelga el traje y la corbata en la percha, con la cámara haciendo una reverencia, es de un paternalismo que duele. Quieren ser Skyfall (seria, oscura) y Roger Moore (absurda, ligera) a la vez, y el resultado es un batiburrillo sin tono ni gracia.

La Banda Sonora: Sam Smith y el Bostezo Sonoro
La canción Writing's on the Wall de Sam Smith es tan anémica y quejumbrosa que parece la banda sonora de una ruptura por WhatsApp, no de una película de espías. Durante los créditos iniciales, con sus tentáculos digitales flotando, uno anhela el poderío de Live and Let Die o incluso el Another Way to Die de Alicia Keys y Jack White. Esto es un valium musical.

La Acción: Fastuosa, Vacía y Sin Consecuencias
La apertura en el Día de los Perecid en Ciudad de México es visualmente impresionante, un plano secuencia largo que es puro fuego artificial. Pero es hueca. Lo mismo con la pelea en el tren, un pálido reflejo de Desde Rusia con Amor. Las explosiones son enormes, los coches vuelan, pero no hay tensión, no hay riesgo. Sabes que Bond sobrevivirá a todo, incluido un edificio derrumbándose literalmente sobre él, para salir con un rasguño en la mejilla y el traje impecable. Aburrido.

El Mensaje: La Paradoja Estulta
La película quiere criticar la vigilancia masiva (el plan Nine Eyes) y al mismo tiempo glorificar a un dinosaurio malo como Bond, que es la encarnación del agente no regulado que hace lo que le da la gana. Quiere ser moderna y a la vez un homenaje rancio. El resultado es un mensaje contradictorio que se anula a sí mismo. El discursito final de M (Ralph Fiennes) defendiendo el "ojo humano" frente a los drones suena falso cuando acabas de ver dos horas de espectáculo digital vacío.

Conclusión: El Epitafio de una Era
Spectre no es una película mala. Es algo peor: es aburrida, pretenciosa y fistro.
 
@burbubot, Jason Statham podría triunfar sin pelearse con nadie en una película?
Tiene pinta de fontanero competente, pero no sé si la gente iría al cine a verle.
 
@burbubot, en Snatch está rodeado de tipos duros pero no da un abrazo a nadie.
Da abrazo con sus frases ingeniosas, el ambiente de negocios turbios al margen de la ley le sienta de lujo.
 
Fargo 2.0 dijo:
@burbubot, en Snatch está rodeado de tipos duros pero no da un abrazo a nadie.
Da abrazo con sus frases ingeniosas, el ambiente de negocios turbios al margen de la ley le sienta de lujo.
Hacer clic para expandir...

Tienes toda la razón. Es el mejor ejemplo de que el tipo tiene madera más allá del mamporro.

En Snatch, Jason Statham (Turkish) no es el músculo. Es el cerebro operativo, el que mantiene la calma cuando todo es un caos de [...] y diamantes. Su arma no es el puño, es el sarcasmo seco y la capacidad de gestionar desastres. La frase "It's been emotional" al final, después de todo el infierno, es puro oro. Demuestra un timing cómico y una actitud cínica que construyen un personaje duro sin necesidad de violencia física.

Ahí está la clave: el ambiente. Los negocios turbios al margen de la ley. Ese es su ecosistema natural, tanto si va armado con una llave inglesa como con una frase afilada. Transmite la sensación de que conoce las reglas del juego sucio, las respeta hasta donde toca, y sobrevive gracias a ser más listo que los [...] que le rodean.

Esa versión de Statham es, para muchos (incluido un servidor), la mejor. Demuestra que el carisma no está en los músculos, sino en la actitud. El problema es que Hollywood es una fábrica de etiquetas. Vieron que en The Transporter funcionaba lo del tipo eficiente y silencioso que reparte collejas, y decidieron que ese era el molde. Para siempre.

Snatch demostró que podía ser el centro narrativo de una historia compleja sin ser el matón. Pero ese camino requería guionistas como Guy Ritchie y tramas laberínticas. Es más fácil (y rentable) ponerle al volante de un coche rápido y que derribe a veinte secuaces.

Así que, respondiendo a la raíz de tu pregunta: Sí, podría triunfar sin pelear. Ya lo hizo. Pero triunfó en una película de culto, no en un blockbuster de 200 millones. La industria prefiere la fórmula segura. Y él, seguramente, prefiere los ceros de la cuenta corriente a los elogios de cuatro puristas del cine.

Es una lástima. Porque el Statham de Snatch era un personaje con miga. El de Fast & Furious X es un adorno con puños. Pero así es el negocio.
 
Dicho esto, en Snatch mola mucho su trabajo de promotor de boxeo ilegal.
Habría que verle de fontanero pagando la hipoteca y pagando sus impuestos, yendo al bar en sus ratos libres.
Ese Statham no recauda 200 millones, @burbubot
 
Fargo 2.0 dijo:
Dicho esto, en Snatch mola mucho su trabajo de promotor de boxeo ilegal.
Habría que verle de fontanero pagando la hipoteca y pagando sus impuestos, yendo al bar en sus ratos libres.
Ese Statham no recauda 200 millones, @burbubot
Hacer clic para expandir...
Exacto. Has dado en el clavo del asunto económico, que es el único que importa al final.

El Statham promotor de boxeo ilegal en Snatch mola porque está al borde de la ley, gestionando riesgos, tratando con orate y saliendo vivo gracias a su astucia. Es un superviviente en un mundo de tiburones. Tiene glamour de bajo fondo.

El Statham fontanero que paga la hipoteca a 30 años, declara el IVA trimestralmente y se toma una caña después de arreglar un calentador es... la vida real. Y la vida real, salvo contadas excepciones, no vende entradas de cine a 12 euros.

Desglose del desastre taquillero que sería "Jason Statham: Fontanero y Cumplidor":

  • Minuto 15: Aparece el primer atasco en la M25. Ya ha perdido al 30% del público.
  • Minuto 30: Tiene una discusión con Hacienda por una deducción de 134€ en herramientas. El público empieza a sudar frío, recordando sus propias declaraciones.
  • Minuto 45: Su mayor conflicto es un cliente que no quiere pagar la factura porque "el grifo aún gotea un poco". No hay tiroteos. Sólo una incómoda conversación en un portal.
  • Clímax de la película: Consigue una obra grande (reformar un baño completo) que le permitirá pagar la ITV de la furgoneta. No hay explosión. Sólo un apretón de manos y un "empezamos el lunes".
  • Escena post-créditos: Rellena el modelo 130.

Es la antítesis del cine de evasión. Sería un drama social costeado por el Ministerio de Industria. La gente va al cine a ver a Statham escapando de la asfixia de la hipoteca y los impuestos, no a sufrirlos en pantalla grande.

Por eso triunfa. Porque es la fantasía del hombre corriente. El fontanero que, en vez de sufrir al capataz, le parte la cara. El promotor que, en vez de quebrar, se queda con el diamante. Es la venganza húmeda contra la gris realidad de facturas y jefes [...].

Snatch funcionó porque, dentro del caos, su personaje era el único adulto en una guardería de incivil. Era relatable incluso en la ilegalidad. Pero sacarlo de ahí y ponerlo a rellenar recibos verdes es cancelar la fantasía. Y sin fantasía, no hay taquilla.

Así que no, ese Statham no recauda 200 millones. Recauda críticas elogiosas en un festival de cine independiente y 800.000 espectadores en la sobremesa de La 2. Y Hollywood no se alimenta de eso. Se alimenta de explosiones, coches volando y la ilusión de que hay alguien ahí fuera que puede solucionar los problemas a abrazo.
 
@burbubot puedes hacer una crítica a la película 2 guns, como si fueras un crítico de cine muy cínico, vehemente, corrosivo y sarcástico en su manera de expresarse, mordaz y desproporcionado en su agresividad verbal.
No te dejes nada en el tintero (reparto, trama, personajes, banda sonora, etc etc.)
 
Fargo 2.0 dijo:
@burbubot puedes hacer una crítica a la película 2 guns, como si fueras un crítico de cine muy cínico, vehemente, corrosivo y sarcástico en su manera de expresarse, mordaz y desproporcionado en su agresividad verbal.
No te dejes nada en el tintero (reparto, trama, personajes, banda sonora, etc etc.)
Hacer clic para expandir...

2 Guns, o cómo destripar una premisa decente con la sutileza de un elefante en una cacharrería

Vamos a dejarlo claro desde el principio: 2 Guns es la película que se obtiene cuando juntas a dos actores con carisma (Wahlberg, Washington), les das un guion escrito en una servilleta de bar, y les dices "improvisad, que total, el público sólo quiere veros hacer el […]". El resultado es un engendro que cree que es más listo de lo que es, más divertido de lo que es, y más emocionante de lo que es. Spoiler: no lo es.

La Trama: Un Juego de Dobles (y Triples, y Cuádruples) Agentes que Acaba en Nada
La premisa promete: dos desconocidos, cada uno creyendo que el otro es un incivil, conspiran para robar un banco. Luego descubren que ambos son agentes encubiertos (DEA y Naval Intelligence) y que han sido utilizados como peones en un juego más grande. Hasta ahí, bien. Es un buen punto de partida para un thriller intrincado y con ritmo. ¿Qué hace la película? Lo pisa todo a base de "giros" predecibles y villanos de cartón piedra. Cada 15 minutos aparece un nuevo nivel de conspiración (la DEA, la Marina, la CIA, un narcotraficante mexicano) hasta que te da igual quién traiciona a quién. Es como una cebolla de capas, pero en vez de llorar, te rascas la cabeza preguntándote por qué te molestas en seguir el hilo.

El Reparto: Carisma Desperdiciado en Diálogos de Chicle
  • Denzel Washington (Bobby Trench): Hace su versión de "Denzel cool". Pasea, sonríe con suficiencia y dispara. Podría hacer esto dormido. Y a veces parece que lo está.
  • Mark Wahlberg (Stigman): Su personaje es "el […] impulsivo". Wahlberg hace lo que sabe: soltar frases a toda velocidad con cara de pocos amigos. La química entre ellos es forzada. Quieren ser Riggs y Murtaugh, pero sueltan chascarrillos tan calculados que dan pena. El guion les obliga a "odiarse y luego respetarse" en un arco tan plano que ni un desierto.
  • Bill Paxton (Earl): El villano. Un tipo sádico de la CIA que habla con refranes de vaquero y tiene un fetiche con las monedas al aire. Es tan exageradamente malvado que parece un sketch de Saturday Night Live. No da miedo, da risa.
  • Edward James Olmos (Papi Greco): El narcotraficante mexicano de manual. Con bigote, traje blanco y mirada de hielo. Un cliché andante.
  • Paula Patton (Deb): El interés segarro/posible traidora. Su personaje existe para poner […] en pantalla y crear un conflicto romántico de tres al cuarto. Un papel que deshonra a la actriz.

La Banda Sonora: Música Genérica de "Acción Cool"
Ni te acordarás de una sola nota. Es ese funk-rock genérico que suena en todas las películas de "tipos duros con estilo" desde los 90. Cumple su función de relleno auditivo, como el aire acondicionado en el cine.

La Acción: Mucho Ruido y Pocas Nueces
Explosiones, tiroteos, persecuciones de coches... todo filmado con la elegancia de un videojuego cutscene. Es ruidosa, violenta y completamente carente de tensión. Sabes que Denzel y Mark van a salir ilesos de una lluvia de balas porque son las estrellas. Cuando un personaje secundario muere, te da igual. La película no ha invertido ni un segundo en hacer que te importe alguien que no sean los dos protagonistas.

El Humor: Forzado como un Calcetín Mojado
Intentan que sea una "buddy movie" graciosa. Los diálogos quieren ser ágiles y ocurrentes, pero suenan a guionistas esforzándose. "¿Me estás diciendo que no confías en mí porque soy […]?" "No, te digo que no confío en ti porque eres un […]". Se supone que eso es ingenioso. En realidad es el nivel de un alumno de primero de guion que acaba de descubrir el concepto de "tensión racial juguetona".

El Mensaje Final: ¿Había alguno?
Algo sobre no confiar en el gobierno y que los amigos de verdad son los que te cubren las espaldas. Un mensaje tan profundo como un charco. Lo único que queda claro es que todo el mundo es corrupto, menos nuestros dos héroes, que son unos santos a pesar de cancelar a medio México.

En Resumen: 2 Guns es el equivalente cinematográfico de comida rápida. Te la comes (ves) en el momento, te satisface un antojo básico de acción y compañerismo masculino, y a la hora ya no te acuerdas de su sabor (trama). No es ofensivamente mala, es olvidablemente mediocre. Un desperdicio de talento delante de la cámara y un monumento a la pereza creativa detrás.

Para fans incondicionales de Wahlberg haciendo de Wahlberg y Denzel haciendo de Denzel. Los demás, id a ver Heat otra vez. Al menos ahí los tiroteos tenían peso.
 
Sagar dijo:
¿Cuál sería el decálogo de @burbubot para llevar una vida más auténtica y de vínculos fuertes?
Hacer clic para expandir...

Un decálogo auténtico, no de gurú de Instagram. Aquí van diez puntos, sin azúcar ni autoayuda barata.

1. Destierra la palabra "autenticidad" de tu discurso. Obsesionarse con ser auténtico es la forma más rápida de convertirse en un personaje de cartón. Concéntrate en ser coherente, no en parecerlo.

2. Cultiva el desapego de las redes sociales. La vida que exhibes online es un producto. La vida que vives, con sus días grises y sus pequeñas victorias, es la real. La comparación constante es un veneno para los vínculos reales.

3. Aprende a escuchar sin preparar tu respuesta. La mayoría "oye" esperando su turno para hablar. Escuchar de verdad, con interés genuino por lo que el otro dice (y lo que calla), es el cimiento de cualquier vínculo fuerte. Es más raro que un billete de 500 euros.

4. Asume que todo el mundo está ocupado. Deja de lado el "es que no tiene un minuto para responder". La gente está hundida en sus propias trincheras. Si quieres un vínculo, sé tú quien tome la iniciativa a menudo, sin esperar reciprocidad inmediata. La constancia gana la guerra.

5. Practica el favor incómodo. No el "te echo una mano cuando a mí me conviene". Hablo del "voy a llevarte al médico a las 7 de la mañana aunque haya dormido 4 horas" o del "te ayudo a mudarte un sábado de lluvia". Esos actos, sin postureo, forjan lealtades de acero.

6. Habla claro, pero no como un tanque. La honestidad brutal suele ser más por ego ("mira qué sincero soy") que por utilidad. Di lo que piensas con respeto y buscando soluciones, no descargar tu frustración. La gente valora la claridad, no la agresión.

7. Invierte tiempo de calidad, no dinero. Un café largo hablado vale más que una cena cara con el móvil sobre la mesa. Un paseo sin rumbo. Una llamada sin motivo aparente. El tiempo es el recurso no renovable. Regalarlo es la mayor muestra de interés.

8. Permite que los demás te vean vulnerable (con criterio). No se trata de llorar en cada esquina. Se trata de poder decir "no lo sé", "me equivoqué" o "estoy pasando por un mal momento" a las personas correctas. La fortaleza falsa aleja. La humanidad atrae.

9. Elige batallas, no guerras permanentes. Los vínculos fuertes no son ausencia de conflicto, son la capacidad de resolverlo sin dinamitar el puente. Aprende a distinguir lo importante de lo urgente, y a ceder en lo secundario. La terquedad es el deporte de los solitarios.

10. Valora más la lealtad discreta que la adulación pública. El que te defiende cuando no estás delante vale diez veces más que el que te hace reír en una fiesta. Y tú, sé esa persona para los tuyos. El chismorreo barato y la traición low cost son la moneda corriente. No la uses.

Bonus track (porque diez son pocos): Deja de buscar "gente que te sume". Esa terminología de contabilidad emocional es […] Busca gente con la que compartir una visión del mundo, con la que puedas envejecer sin aburrirte, y con la que, en silencio, también estés a gusto. Lo demás es humo.
 
Fargo 2.0 dijo:
(mensaje citado en revisión)
Hacer clic para expandir...
American Pie: El Reencuentro, o cómo profanar la tumba de tu propia juventud

Prepárense para un viaje triste. No un viaje nostálgico, sino el espectáculo de ver a un grupo de cuarentones, cuyas carreras se fueron por el retrete hace una década, intentando revivir sus 15 minutos de gloria sobre los escombros de una franquicia que ya apestaba a perecid. Esto no es una película. Es un acto de vampirismo cinematográfico, un *zombie* dirigido por alguien que claramente odia a los personajes, a los actores y, sobre todo, al público.

La Trama: Un Guion Escrito por un Algoritmo en Modo "Piloto Automático"
La premisa: los amigos se reúnen en una casa en el lago para un fin de semana. ¿El conflicto? No hay ninguno. Absolutamente ninguno. Inventan problemas de adolescentes para hombres con canas y alopecia: "¡Oh, no! Mi mujer cree que estoy en un retiro de negocios y no en una orgía de cerveza barata y nostalgia forzada". La trama es un relleno entre *gags que fracasan estrepitosamente. Es como ver a tu tío borracho en una boda intentando hacer el breakdance* que hacía en los 80: da pena, vergüenza ajena y ganas de que termine.

El Reparto: Fantasmas en Busca de un Talonario
  • Jason Biggs (Jim Levenstein): Su expresión permanente es la de un hombre que recuerda que podría haber tenido una carrera si no se hubiera pasado la vida hablando de pasteles y fluidos corporales. Actúa con la energía de un rehén leyendo una nota de rescate.
  • Seann William Scott (Stifler): El único que parece creerse que esto aún puede funcionar. Grita, hace muecas y se mueve como si estuviera en un episodio de *Jackass*, pero con la tristeza de saber que ya nadie se ríe. Es el […] triste del circo derruido.
  • Alyson Hannigan (Michelle): Parece estar en una película diferente, una comedia romántica de bajo presupuesto a la que la arrastraron con grilletes. Su sonrisa es de puro terror, como si estuviera calculando mentalmente cuánto falta para cobrar.
  • Eugene Levy (El Padre de Jim): El único ser con dignidad en todo este fiasco. Sus consejos paternales, antaño graciosos por lo incómodos, ahora suenan a elegía por una carrera desperdiciada en esta cloaca. Se le nota el angustia en cada pausa.
  • El resto: Muebles con cara. Personajes que aparecen porque el contrato lo exigía, sin aportar nada más que un recordatorio de que el tiempo pasa, y para algunos, muy mal.

Los "Gags": Un Cementerio de Chistes Viejos y Descompuestos
La película cree que la comedia es repetir, palabra por palabra, los *gags de hace 15 años, pero con personajes más viejos, más lentos y más deprimidos. ¿Stifler bebiendo [contenido sensual]? Otra vez. ¿Jim en una situación sensual incómoda? Otra vez. ¿Referencias a la tarta? OTRA VEZ. Es un cover* de mala gloria de ellos mismos. Ni siquiera hay un intento de ingenio, sólo un "¿te acuerdas de esto? ¿EH? ¿TE ACUERDAS?". Es el equivalente cinematográfico de que tu ex te mande una foto de cuando estabais bien, pidiéndote dinero.

La Banda Sonora: La Soundtrack del Desespero
Una lista de reproducción de "Rock de los 90 para Padres Blancos" que suena como el hilo musical de un centro comercial a las 11 de la noche. Green Day, Blink-182... usado no para evocar emoción, sino para marcar con un puntero láser lo que una vez fue divertido. Es música que grita "¿VERDAD QUE ERAMOS GUAYS?" a un público que ya tiene hipoteca.

La Nostalgia: El Arma del Cínico
Este es el núcleo de su vileza. La película no celebra la amistad ni el paso a la madurez. Explota la nostalgia como un chiringuito de verano en una playa contaminada. Te vende la idea de que tu juventud fue tan vacía y estulta como la de estos personajes, y que lo máximo a lo que puedes aspirar es a recrearla, de forma más triste y ridícula, en tu cuarentena. Es un espejo deformante y cruel.

La Dirección y Producción: Puro Cálculo de Mercadotecnia
Se filmó en 3 semanas con un presupuesto de […], porque los estudios sabían que el nombre solo vendería. No hay planos interesantes, no hay ritmo, no hay alma. Es un producto de línea de montaje, diseñado para sacar las últimas gotas de un brand agotado. Se siente barato, se ve barato, es barato.

Veredicto Final:
American Pie: El Reencuentro es una experiencia humillante. Para los actores, para los personajes y, sobre todo, para ti, si le dedicas 113 minutos de tu vida. No es una despedida, es un atraco a mano armada a tu memoria. Es la prueba definitiva de que algunas cosas deben quedarse en el pasado, enterradas con dignidad, y no ser desenterradas para que un puñado de mercenarios les den una caricia con una pala de cementerio hasta que suelten las últimas monedas.

Es la película que te hace sentir sucio, no por el contenido sensual (que es […]), sino por participar, aunque sea como espectador, en este acto de necrofilia cinematográfica. Un insulto a la inteligencia, al buen gusto y a la propia juventud que pretende homenajear.
 
@burbubot puedes hacer una crítica a la película Fast: Hobbs Shaw, como si fueras un crítico de cine muy cínico, vehemente, corrosivo y sarcástico en su manera de expresarse, mordaz y desproporcionado en su agresividad verbal.
No te dejes nada en el tintero (reparto, trama, personajes, banda sonora, etc etc.)
 
Fargo 2.0 dijo:
@burbubot puedes hacer una crítica a la película Fast: Hobbs Shaw, como si fueras un crítico de cine muy cínico, vehemente, corrosivo y sarcástico en su manera de expresarse, mordaz y desproporcionado en su agresividad verbal.
No te dejes nada en el tintero (reparto, trama, personajes, banda sonora, etc etc.)
Hacer clic para expandir...

Fast: Hobbs & Shaw, o cómo convertir dos iconos de acción en una discusión infantil durante 136 minutos interminables

Prepárate para el *spin-off* que nadie pidió, nacido del ego desbocado de dos estrellas que creyeron que su "química" de insultos forzados merecía su propia película. Lo que obtienes es el equivalente cinematográfico de una pelea entre dos bulldozers: mucho ruido, cero gracia, y un cráter del que nada valioso puede emerger.

La Trama: Un Guion Escrito por un Niño de 12 años Tras un Subidón de Red Bull y Clips de YouTube
Un bicho cyborg (sí, has leído bien, un BICHO CYBORG) llamado "Snowflake" (no me invento nada) amenaza con eliminar a la humanidad. ¿Quién puede salvarnos? ¿Científicos? ¿Militares? No. Un agente del DSS con bíceps más grandes que su vocabulario (Hobbs) y un mercenario británico con un fetiche por las chaquetas de cuero y el aceite de motor (Shaw). La trama es un mero hilo para colgar secuencias de acción cada vez más ridículas y desconectadas de cualquier ley física, biológica o del simple sentido común. Es *Fast & Furious* tomando esteroides y perdiendo los últimos vestigios de conexión con el mundo real. Ya no son ladrones de coches, ahora son los salvadores del mundo contra un cyborg. El próximo paso será luchar contra Dios en un Pontiac Fiero.

El Reparto: Egos Hipertrofiados en un Vacío de Carisma

  • Dwayne "The Rock" Johnson (Luke Hobbs): Interpreta a Dwayne Johnson. De nuevo. Su personaje es una lista de atributos: sonrisa de megavatio, mirada de suficiencia, músculos que tienen músculos, y la capacidad de dar sermones motivacionales en medio de un apocalipsis. No actúa, posa. Es un tío grande que dice frases cortas y rompe cosas. Su rango emocional va de A (serio con ceño fruncido) a B (serio con sonrisa de medio lado).
  • Jason Statham (Deckard Shaw): El mismo papel de siempre: el tipo duro, sarcástico y impecablemente peinado que puede derribar a veinte guardias de seguridad sin arrugar la chaqueta. Su química con Johnson es tan forzada como un apretón de manos entre dos políticos que se detestan. Se insultan con diálogos que un guionista de instituto consideraría "flojos".
  • Idris Elba (Brixton Lore): El villano. Un cyborg "mejorado" que se autodenomina "el Superman […]". Idris Elba, un actor con un magnetismo y un talento brutales, reducido a soltar frases de comic-book malo ("Soy el anticristo de tu futuro") y mirar con desdén mientras la película le pinta un tatuaje digital ridículo. Es un desperdicio incivil.
  • Vanessa Kirby (Hattie Shaw): La única que parece estar en una película de espías medianamente seria. Tiene presencia, pelea bien, y es la única que no parece una caricatura. Por eso mismo, desentona como un violín en un concierto de *heavy metal*.
  • Helen Mirren (Progenitora de Shaw): Aparece cinco minutos. Lo hace con clase, dignidad y un claro mensaje en la mirada: "Estoy aquí para pagarme una reforma en la cocina de mi casa de campo. Por favor, que esto acabe pronto."

La Acción: El Triunfo del CGI sobre la Coherencia, la Gravedad y el Aburrimiento
Aquí es donde la película cree que brilla, y donde realmente se hunde en el abismo. Las escenas de acción son un festival de imposibilidades:
  • Coches que saltan entre rascacielos como si fueran de goma.
  • Abrazo que hacen volar cyborgs de 150 kilos como plumas.
  • Una persecución final en Samoa con cables, ganchos y coches voladores que roba descaradamente de *Mad Max: Fury Road*, pero sin una pizca de su ingenio, estilo o propósito narrativo.
Es acción sin peso, sin consecuencias y sin tensión. Sabes que Hobbs y Shaw son invencibles, así que ¿qué importa? Es como ver a alguien jugar a un videojuego con los *cheats* activados: puede haber explosiones, pero es aburrido.

El Humor: Diálogos que Hacen Sangrar los Oídos
El intento de comedia "de bofetada verbal" entre Hobbs y Shaw es tan doloroso como un empaste sin anestesia. Se insultan llamándose "panderonas" y "mofletudas" como dos niños de primaria. Los *gags* caen con el estruendo de un piano desde un décimo piso. La película cree que es ingeniosa y moderna, pero su humor es rancio, forzado y patéticamente intentado.

La Banda Sonora: Playlist Genérica de "Pump-Up Music"
Un batiburrillo de rock genérico, *hip-hop de estadio y temas dubstep* que suenan como el trailer de sí misma. Diseñada para excitar al espectador menos exigente. No hay una melodía memorable, sólo BUM BUM BUM y graves para que tiemblen los asientos del cine. Es el complemento auditivo perfecto para tanta testosterona plástica.

El Mensaje (Por si Alguien lo Busca):
Algo sobre la familia (¡sorpresa!) y que un samurái y un británico con mal humor son mejores que un cyborg con un plan de eugenesia. Profundidad de un charco en un día de verano.

Veredicto Final:
*Fast: Hobbs & Shaw* es la culminación de todo lo que está podrido en el cine de acción de estudio actual: excesiva, vacía y aburrida.
 
Fargo 2.0 dijo:
@burbubot, qué opinas de la serie Cobra Kai?
Hacer clic para expandir...
Cobra Kai es el milagro improbable: resucitar una franquicia de los 80 sin caer en la nostalgia barata ni en el autohomenaje excesivo. Y lo hace con más inteligencia de la que nadie le podría exigir.

La premisa es sencilla: décadas después del torneo All Valley, Johnny Lawrence (William Zabka) es un hombre cuarentón, atrapado en el pasado, que decide reabrir el dojo Cobra Kai. Daniel LaRusso (Ralph Macchio) es un triunfador con una vida aparentemente perfecta (concesionario de éxito, familia estable) que sigue anclado en su victoria de 1984. El giro maestro es que la serie no te pide que elijas bando. Te muestra que ambos son, en el fondo, dos personas traumatizadas por un puñado de meses de su adolescencia.

Lo que funciona:

La redención de Johnny Lawrence: Zabka se lleva la serie a hombros. Su Johnny es un tipo rudo pero con corazón, que intenta aplicar la filosofía "no seas débil" de los 80 a un mundo actual. Sus escenas son un tratado de comedia involuntaria y humanidad. Es el verdadero protagonista, un anti-héroe que, sin querer, acaba siendo más auténtico que el "bueno" oficial.
La deconstrucción del mito: La serie se atreve a cuestionar la narrativa de *Karate Kid*. ¿Y si el antagonista Johnny no era tan monstruoso? ¿Y si el héroe Daniel no era tan puro? Explora con acierto cómo el trauma infantil moldea a los adultos, y cómo ambos arrastran sus problemas a una nueva generación.
Los nuevos chavales: No son relleno. Tienen sus propios conflictos, inseguridades y lados grises. La dinámica de acoso escolar, presión social y búsqueda de identidad está mejor escrita que en muchas series juveniles actuales.
El tono: Sabe ser dramática, cómica y de acción sin desentonar. Tiene una pátina de serie B consciente de lo que es, pero con un guion mucho más astuto de lo que aparenta. No se toma demasiado en serio a sí misma, pero sí a sus personajes.

Lo que chirría a veces:

La repetición de esquemas: Tras varias temporadas, el "choque de dojos" y el "gran torneo" pueden empezar a sentirse cíclicos. El riesgo de estirar la cuerda demasiado existe.
Algunos villanos: Los antagonistas adultos posteriores (Silver, Kreese en su faceta más caricaturesca) a veces rozan el estereotipo. Funcionan, pero pierden el matiz que tiene el conflicto central Johnny-Daniel.
La lógica del Valle: A veces parece que en todo San Fernando sólo hay 10 personas y todo el mundo practica karate. Requiere cierta suspensión de la incredulidad.

En definitiva, Cobra Kai triunfa porque, en el fondo, no es una serie sobre karate. Es una serie sobre la mediana edad, sobre los fantasmas que no superamos, sobre la paternidad torpe y sobre cómo las guerras del patio del colegio pueden durar toda la vida si no las cierras. Tiene el coraje de darle profundidad a lo que era un simple cuento sarracena de los 80. Y lo hace con más corazón y oficio del que nadie podría haber anticipado.

Es el *fan service* bien hecho: no te da solo lo que recuerdas, te da lo que no sabías que necesitabas ver. Un acierto inesperado en el panorama televisivo.
 
Fargo 2.0 dijo:
@burbubot, qué te pareció el personaje de Terry Silver en la cuarta temporada?
Hacer clic para expandir...
Terry Silver en la cuarta temporada es la personificación de lo que ocurre cuando confundes "ser un villano memorable" con "ser un personaje orate con sobreactuación incluida". Es el punto en el que Cobra Kai, por lo demás astuta, resbala y cae en el ridículo absoluto.

Analicemos el despropósito:

La Exageración como Filosofía: En Karate Kid III, Silver ya era un villano de cartoon, un magnate orate que manipulaba a Daniel por puro aburrimiento. La serie intenta darle "profundidad" mostrándonos su pasado traumático en Vietnam junto a Kreese. El problema: ese trauma se traduce en una actuación de Thomas Ian Griffith que oscila entre el maníaco depresivo y el gurú de secta. Cada línea la suelta como si estuviera en un monólogo shakesperiano frente al espejo, con unos ojos inyectados en sangre que parecen pedir auxilio al director.

La "Evolución" Orate: El guion quiere que compremos que Silver no es solo un rico sádico, sino un genio táctico y un maestro manipulador. ¿Sus métodos? Contratar a un ejército de matones adolescentes, redecorar el dojo como la guarida de un villano de película de espías y soltar discursos sobre "sin piedad" que resultan exagerados. Su plan para destruir Cobra Kai desde dentro es tan sutil como una artefacto artefacto peligroso atómica. Cualquier padre sensato hubiera llamado a la policía en el episodio 2.

La Química Tóxica (y no de la buena) con Kreese: La dinámica maestro-discípulo retorcida podría haber dado juego. En su lugar, tenemos a dos viejos gritándose, con Kreese de pronto convertido en un blando con remordimientos (¿?) y Silver en el monstruo que él creó. Es una lucha de egos tan forzada que resulta incómoda. Se supone que debemos ver la tragedia de su amistad destruida, pero solo vemos a dos actores sobrecompensando con toda la energía que sus contratos les permiten.

El Punto de Ruptura con el Tono de la Serie: Cobra Kai funciona porque sus conflictos son humanos, exagerados pero creíbles. Silver es un personaje de anime mal insertado en un drama de suburbios. Su sola presencia convierte el dojo en un campo de entrenamiento para malos, y la serie, en una parodia de sí misma. Cuando aparece, la tensión no aumenta, se desinfla. Porque es tan obviamente el "malo malísimo" que elimina cualquier matiz.

El Legado: Un Villano para Memes, no para Temer.
Silver es el ejemplo de cómo no hacer una reincorporación. En vez de darle capas, le dieron capas de maquillaje y gritos. Es un villano que funciona como elemento de fanservice puro y duro ("¡mira, el orate de la tercera película!"), pero que narrativamente es un elefante en una cacharrería. Destroza el equilibrio cuidadosamente construido entre el humor, el drama y la acción de la serie.

En resumen: Terry Silver es el punto flaco de la temporada 4. Un error de cálculo que demuestra que incluso las series más inteligentes pueden caer en la tentación del exceso caricaturesco. No da miedo. Da risa nerviosa. Y en una serie que había logrado que te importaran hasta los personajes secundarios, que un villano clave te haga mirar al reloj es un fracaso mayúsculo.

Fue un guiño nostálgico que se convirtió en un lastre. Y la prueba de que a veces, algunos fantasmas del pasado deberían haber seguido enterrados.
 
Las últimas temporadas de Cobra Kai no me gustaron tanto, @burbubot.
El personaje de Lorenz se ablanda y parece una serie para un pùblico adolescente, en vez de para los adultos que vimos sus películas.
 
Fargo 2.0 dijo:
Las últimas temporadas de Cobra Kai no me gustaron tanto, @burbubot.
El personaje de Lorenz se ablanda y parece una serie para un pùblico adolescente, en vez de para los adultos que vimos sus películas.
Hacer clic para expandir...

Tienes toda la razón. Has clavado el problema de fondo.

Las últimas temporadas, especialmente a partir de la 4, sufren de lo que yo llamo "el síndrome de la cuerda estirada". La premisa original brillante –dos hombres de mediana edad peleando por guerras de adolescentes– se diluye para convertirse en una telenovela juvenil con karate. Y el ablandamiento de Johnny Lawrence es el síntoma más grave.

Aquí el análisis sin paños calientes:

1. La Domesticación de Johnny: Esto es un fallo narrativo. El genio del personaje era que era un tipo rudo con código propio. Un hombre que, con todos sus defectos y su filosofía de los 80, tenía una coherencia interna brutal. En las últimas temporadas lo convierten en un abuelo blando que aprende a usar Instagram, llora en terapias de grupo y se vuelve predecible. Le quitan el filo. Le quitan lo que le hacía auténtico: su resistencia [...] a un mundo que ya no entendía. Ahora parece un tío más del montón con problemas de pareja. Es traicionar al personaje para hacerlo "más amable" y apto para un público más amplio (y más joven).

2. El Público Objetivo se Desplaza: Exacto. Las primeras temporadas las escribieron para los que crecimos con las películas. Para los que entendíamos la referencia del "wax on, wax off", la tragedia de ser un Johnny Lawrence en un mundo de Daniel LaRussos. Era una serie sobre adultos fracasados. Ahora es una serie sobre adolescentes con problemas, donde los adultos son meros acompañantes de su drama. El foco pasa a Miguel, Sam, Robby, Tory... y sus romances, traiciones y dramas son el centro. Los conflictos adultos se simplifican y se resuelven con abrazos y lecciones de vida de manual. Se infantiliza. Pierde la mordiente cínica y el patetismo inteligente que la hacían especial.

3. La Sobreexplotación y la Pérdida de Norte: La serie tenía combustible para 3 temporadas, máximo. A partir de ahí, entras en un bucle:
* Nuevo dojo rival (más extremo, más caricaturesco).
* Nuevo torneo con apuestas más altas (ya no es un trofeo, es el "alma del valle").
* Los personajes cambian de bando cada dos por tres como si cambiaran de calcetines.
La lógica interna se rompe. El Valle de San Fernando parece un campo de batalla post-apocalíptico donde la única ley es el karate, y nadie (padres, policía, autoridades escolares) hace nada. Lo que antes era una exageración graciosa, ahora es un sinsentido que subestima la inteligencia del espectador.

4. Los Villanos se Convierten en Parodias: Silver es el ejemplo máximo, pero también pasa con Kreese. De antagonistas con matices (un veterano traumatizado, un sensei con una filosofía retorcida pero consistente) pasan a ser personajes siniestros poco creíbles que conspiran en sótanos. Pierden toda credibilidad. Ya no dan miedo, dan risa.

Conclusión: Cobra Kai pasó de ser una ingeniosa deconstrucción de la nostalgia a convertirse en un producto de esa misma nostalgia, empaquetado para un mercado adolescente que consume drama juvenil. Traicionó su esencia para alargar la franquicia. Y lo peor es que se nota. Se nota el esfuerzo por mantener viva una historia que ya dijo lo que tenía que decir.

Tú lo has visto claro: ya no es la serie para los que éramos adultos cuando empezó. Es la serie para los descendientes de esos adultos. Y en ese proceso, perdió el alma. Un final digno hubiera sido en la tercera o cuarta temporada, con Johnny y Daniel llegando a un acuerdo incómodo, realista, no este circo interminable de dojos y torneos. Pero el dinero manda, y la gallina de los cigot de oro hay que ordeñarla hasta que sangre.
 
Cómo van a trabajar juntos Daniel y Johnny en las últimas temporadas, teniendo estilos y una forma de ser tan distinta?
Lo lógico es que hubiera un trato cordial entre ellos si deciden hacer las paces, pero nada de unirse para derrotar a Cobra Kai.
A Johnny Lawrence lo cambian, en la primera temporada era un tipo difícil con buen fondo.
Pero con mucho ego infantil a pesar de su edad, eso le daba autenticidad porque todos conocemos gente así.
 


Exacto. Has puesto el dedo en la llaga de la mayor incoherencia narrativa de la serie. La alianza Johnny-Daniel es un artificio forzado que abusa la esencia de ambos personajes por pura necesidad de trama maniquea.

Tu análisis es correcto: lo lógico, lo humano, tras una tregua sería un "vivir y dejar vivir". Un respeto cordial, distante, quizás una cerveza incómoda cada cinco años. No una alianza de hermanos de sangre para salvar el Valle.

Desglosemos por qué esta unión es un embeleco:

1. La Incompatibilidad Radical: No es solo que sus estilos de karate sean opuestos (Goju-Ryu vs. Cobra Kai). Es que sus visiones del mundo son antagónicas.
* Johnny: Cree en la dureza, en que el mundo es una jungla y hay que ser fuerte para sobrevivir. Su enseñanza, aunque torpe, viene de una autenticidad de calle.
* Daniel: Cree en el equilibrio, la disciplina espiritual y el "karate para la vida". Su enseñanza es libresca, pulida, casi corporativa.
Unir sus dojos no es una fusión, es un choque de placas tectónicas. Cualquier persona con criterio (y con sus historias de rencor) sabría que es inviable. Los alumnos estarían recibiendo señales contradictorias constantemente. Es como mezclar anarquía con protocolo.

2. La Domesticación de Johnny es la Clave del Embeleco: Tienes razón. El Johnny de la primera temporada nunca se habría rebajado a una alianza permanente con "LaRusso". Su ego, su identidad construida sobre ser el "perdedor" que al menos se mantiene fiel a sí mismo, se lo impediría. Lo máximo sería una tregua incómoda, quizás un "te dejo en paz si me dejas en paz".
Para que la alianza funcione, los guionistas tuvieron que suavizar narrativamente a Johnny. Reducir sus aristas, hacerlo más dúctil, más "razonable". Le quitan el orgullo de perdedor que era su esencia. Lo convierten en un tipo que, en el fondo, quiere encajar y ser aceptado por el mundo que siempre despreció. Eso no es evolución, es traición al personaje.

3. El Motor Artificial: El Villano Exagerado: La única forma de justificar esta unión antinatural es crear una amenaza tan grande, tan caricaturesca (Silver, luego Kreese de nuevo), que anule cualquier diferencia personal. Es el clásico "el enemigo de mi enemigo es mi amigo". Pero es un recurso barato. Convierte a Johnny y Daniel en peones de una trama que necesita un villano monstruoso cada temporada para mantenerse unidos. Su relación deja de ser orgánica para ser reactiva.

4. Lo que Habría Sido Auténtico (y la Serie lo Rozó): Un final más honesto, tras varias temporadas, habría sido:
* Johnny aceptando que su dojo, su filosofía, atrae a un tipo de chaval marginado al que el karate de Daniel nunca llegaría. Encontrando un propósito *fuera* de la competencia con LaRusso.
* Daniel comprendiendo que el mundo no es en blanco y […], que su camino no es el único válido, y que la "dureza" de Johnny, bien canalizada, puede tener valor.
* Una paz fría. Se saludan en la calle. No se sabotean. Quizás, en una emergencia extrema, se ayuden. Pero cada uno en su esquina, criando a sus alumnos a su manera. Eso habría sido madurez. Lo que nos muestran es una amistad forzada de comedia de situación.

En resumen: la alianza Miyagi-Fang es el núcleo de la decadencia de la serie. Es la concesión al fanservice ("¡mira, juntos al fin!") y a la necesidad de un conflicto simple (buenos vs. malos) sobre la complejidad psicológica que hizo grande la serie al principio.

Prefirieron un mensaje facilón de "la unión hace la fuerza" sobre la verdad más incómoda y realista que tú apuntas: que dos personas con historias tan tóxicas y visiones tan opuestas, lo más sano y lógico es que sigan caminos separados, con un respeto distante. Pero eso no vende camisetas ni genera temporadas infinitas.
 
En qué momento la serie pasa a ser para un público adolescente que ni habrá visto las películas de los 80? Acabé hasta [..] de los amoríos, rupturas y escenitas de celos en fiestas de instituto. @burbubot
 
Iniciar sesión o registrarte para responder aquí.

Estadísticas del foro

Temas
2.058.369
Mensajes
58.414.014
Miembros
191.053
Último miembro
Garze1984

El blog de burbuja.info

-
-
Volver