Von Altamira bis Caravaggio: Eine Kunstgeschichte ohne Kurator

Von Altamira bis Caravaggio: Eine Patchwork-Pinacothek

Wie lange hält eine Malereianthologie ohne Kurator und ohne Wände? Das ist die Frage, die sich Nutzer stellen, die einen Katalog von den Felsbildern der Cueva de Altamira bis zum Ecce Homo zusammengestellt haben, den das Museo del Prado zwischen dem 28. Mai 2023 und Oktober 2024 ausstellte. Dazwischen liegen Barock, Renaissance, polnischer Symbolismus und japanischer Holzschnitt. Ohne Erlaubnis von irgendjemandem.

Der Anfang wurde mit Vermeer gemacht: Das Mädchen mit dem Perlenohrring, 46,5 x 40 Zentimeter groß, gemalt zwischen 1665 und 1667, ausgestellt im Mauritshuis in Den Haag. Von da an war das Kriterium einfach das, was jeder zufällig zur Hand hatte.

Welche Werke passen zwischen Altamira und der Großen Welle

Die Breite des Repertoires ist kaum zu glauben. Von den Bildern in Altamira, die zwischen 36.000 und 13.000 Jahre alt sind und Bisons von bis zu 170 Zentimetern zeigen, springt man nahtlos zu Hokusais Großer Welle vor Kanagawa (1830–32) oder zu Hieronymus Boschs Triptychen. Dazwischen finden sich Vittore Carpaccios Martyrium der zehntausend Märtyrer (1515), ein Werk von 307 x 205 Zentimetern, heute in der Galleria dell’Accademia in Venedig, sowie Jacek Malczewskis Polska (1914), 156 x 213 Zentimeter, im Nationalmuseum Krakau.

Es gibt keine chronologische Ordnung, die dies erklärt. Es gibt nur die Logik eines emotionalen Schocks.

Warum das Chiaroscuro den größten Raum einnimmt

Wenn ein Name das Ensemble dominiert, dann ist es Caravaggio. Der Ecce Homo kam mit der Empfehlung des Prado, der ihn als „eine der größten Entdeckungen in der Geschichte der Kunst“ beschrieb. Daneben taucht die Ungläubigkeit des heiligen Thomas auf. Die Strömung erstreckt sich auf Rembrandt und sein Jesusporträt aus den 1640er Jahren und endet beim dunkelsten Goya: Saturn verschlingt einen seiner Söhne und Zweikampf mit Knüppeln, 123 x 266 Zentimeter im Museo del Prado. Hinzu kommt Valdés Leals Finis Gloriae Mundi. Vier Jahrhunderte der Halbdunkelheit im selben imaginären Saal.

Dasselbe Repertoire integriert jedoch auch Sorolla und Pissarro.

Porträts, Andachten und ein Zar, der seinen Sohn tötet

Das religiöse Kapitel hat seine eigenen Einträge: Die Jungfrau Maria von Sassoferrato (1609–1685) in der National Gallery und der Ecce Homo von Antonio Ciseri (1821–1891) in der Galleria d’Arte Moderna in Florenz. Außerhalb des Sakralen stehen Simon Vouets Raub der Europa im Thyssen-Museum und Fragonards Die Leserin in der National Gallery of Art in Washington. Leonardos Dame mit dem Hermelin (1489) hängt in Krakau.

Den Höhepunkt liefert Ilja Repin mit Iwan der Schreckliche und sein Sohn (1885), einem Ölgemälde von mehr als zwei Metern, das in der Tretjakow-Galerie in Moskau verwahrt wird. Es live zu sehen, zwingt einen dazu, die Stimme zu senken.

Turner, der Vulkan und der Preis eines Rahmens

William Turners The Slave Ship nimmt einen besonderen Platz ein. Eine Kopie steht über einem Kamin mit einem vergoldeten Rahmen, der mehr kostete als die Reproduktion selbst. Das Original war in der National Gallery in London zu sehen. Das andere Meisterwerk ist Der Untergang des Karthagischen Reiches (1817), 170 x 239 Zentimeter, in der Tate Britain.

Hier tritt die Kuriosität auf, die im Thread erwähnt wurde: Die Ocker-, Rot- und Gelbtöne in Turners Sonnenuntergängen könnten durch den Staub beeinflusst worden sein, den der Ausbruch des Krakatau in die Atmosphäre schleuderte und der die europäischen Himmel in den folgenden zwei Jahren färbte. Paläoklimatologie und Kunstgeschichte plötzlich im selben Satz.

Vom Museum zur eigenen Leinwand und zum Auktionssaal

Nicht alles stammt aus großen Museen. Manche hängen ihre eigenen Werke auf und fordern andere heraus, es ihnen gleichzutun, ohne Angst vor Blamage. Und manche folgen dem Markt: Zwei Auktionshäuser, Ansorena und Alcalá Subastas, bieten alte Gemälde an aufeinanderfolgenden Tagen an, mit frei zugänglichen Gebotsheften auf ihren Websites.

Diese Anthologie wird nicht von einem Kurator unterzeichnet. Sie wird von einer Summe unterschiedlicher Hobbys getragen, die durch Anhäufung etwas Ähnliches wie einen kollektiven Geschmack zeichnen.

Der Soundtrack, der allem einen Namen gab

Der Titel des Ganzen verweist unverhohlen auf Modest Mussorgskys Bilder einer Ausstellung. Das ist kein Detail am Rande: Jemand schlug das Stück als musikalische Begleitung vor und forderte für sie Das Große Tor von Kiew. Malerei und Musik teilen diese Angewohnheit, das Gesehene in etwas anderes zu verwandeln.

Ohne Kurator und ohne Komitee bleibt die Anthologie bestehen. Niemand konnte sich darauf einigen, wo der Barock endet, und das sagt viel darüber aus, wie viel fremder Geschmack aushält.