Picassos Kubismus: Wert liegt in der Unterschrift

Kubismus als Betrug: Wenn das Bild nur durch die Unterschrift zählt

Laut einer im Diskurs wiederkehrenden Zahl malte Picasso mehr als 13.000 Werke. Hier liegt der Kern des Angriffs: Wäre der Kubismus ein intellektuelles Experiment, wie Kritiker behaupten, hätte er nicht in so wenigen Jahren eine solche Menge hervorbringen können. Die These besagt, dass ein kubistisches Leinwandbild nicht einmal den Preis der Ölfarbe wert ist und dass einzig die Signatur ihm einen Marktwert verleiht.

Das Argument ist einfach. Entferne man die Unterschrift von einem kubistischen Bild, sei es wertlos. Taucht ein Picasso-zugeschriebenes Gemälde auf, kostet es Millionen; stellt sich heraus, dass ein Unbekannter es malte, stürzt der Preis ab. Die Schlussfolgerung lautet: Man zahlt für die Geschichte, nicht für die Malerei.

Leinwand, Farbe und Klammern: Die Aufschlüsselung des Wertes

Das Argument wird bis zur buchhalterischen Extreme getrieben. Als Dekoration dürfe ein kubistisches Bild höchstens 10 oder 15 Euro kosten und gelte meist als geschmackloser Schmuck. Lediglich die Klammern oder Nägel, die das Leinwandgewebe an den Keilrahmen befestigen, seien weniger wert als das fertige Werk. Das Trägermaterial wiege also schwerer als das darauf Gemalte.

Auf dieser Basis werden Tausende dieser Bilder als Marketingprodukt statt als künstlerische Forschung gebrandmarkt. Zwar wird anerkannt, dass der Künstler die Technik seit seiner Kindheit beherrschte, doch betont man, dass er sie nicht anwendete: keine Perspektive, keine Tonwerte, keine Schattierung, keine Anatomie. Verteidiger entgegnen, dass Vereinfachung nicht Unkönnen bedeute und wer das Handwerk beherrsche, könne wählen, es nicht zu zeigen.

Rettete der Kubismus die Malerei oder nur einige Vermittler?

Hier liegt der stärkste Punkt der Verteidigung. Die Fotografie hatte das Terrain des Porträts und des Realismus besetzt, und Ende des 19. Jahrhunderts wandelten sich Plakatzeichner zu Karikaturisten. Ein Teilnehmer merkt an, dass die erste kommerzielle Farbkamera 1907 in Frankreich auf den Markt kam – im selben Jahr, in dem die Geburt des Kubismus datiert wird. Die Lesart ist industriell: Status durch realistische Porträts zu demonstrieren, ergab keinen Sinn mehr, als jeder ein Farbfoto machen konnte.

Die Gegenargumentation besagt, dass dies niemandem half. Sorolla war Zeitgenosse der frühen Fotografie, malte Realismus und produzierte keinen Müll. Porträtisten verloren Aufträge gleichermaßen, mit oder ohne Avantgarde, und wer zum Kubismus „konvertierte“, tat dies, so die These, um etwas anderes zu verkaufen.

Der nouveau riche-Kunde und das Interview von 1920

Ein Dokument liefert Munition für beide Lager. Im Jahr 1920 interviewte der Journalist José Pla Picasso in Paris für die Tageszeitung La Publicidad. Gefragt nach seiner Methode antwortete der Maler: „Der Kunde. Das Wichtigste für einen Maler ist der Kunde.“ Er sprach von einem neuen Käufer, dem nouveau riche, der nichts mit seinem Geld anzufangen wisse, und fügte hinzu, dass er täglich mehr verkaufe und sehr reich werde.

Für manche ist dies der Beweis für Betrug. Für andere die ehrliche Beschreibung jedes kreativen Marktes. Im Grunde bestreitet niemand das Faktum: Der Wert des Bildes hing davon ab, wer es signierte und wer dafür bezahlte.

Von Guernica zur Entarteten Kunst: Der politische Preis der Leinwand

Guernica wird auf zwei Wegen in die Debatte geworfen. Zum einen die Behauptung, es stelle einen Bombenangriff dar und nicht das Leben des Künstlers – eine Version, die ohne jeglichen Beleg verbreitet wird. Zum anderen die Ansicht, das Bild selbst bleibe ein Schandfleck, „was auch immer es darstellen mag“.

Die unbequemeste Anekdote stammt aus dem nationalsozialistischen Deutschland. Nach der Ausstellung der sogenannten Entarteten Kunst versteigerte das Regime die beschlagnahmten Werke für eine erhebliche Summe. Wenn sie Müll waren, zahlte jemand sehr teuer dafür. Der expressionistische Maler Emil Nolde, Anhänger der Partei und erklärter Bewunderer ihres Führers, wurde dennoch in die Ausstellung aufgenommen und verlor seine Künstlerlizenz. Die offizielle ästhetische Klassifizierung stimmte nie mit dem Markt überein.

Markt, KI und der unerwähnte Illustrator

Die Diskussion lenkt auf die Gegenwart. Es wird argumentiert, dass künstliche Intelligenz nicht die Galerienamen treffen werde – diese lebten von Erzählungen und Kontakten –, sondern Cover-Illustratoren, Concept Art und Charakterdesigner. Menschen, die sehr gut zeichnen, aber Dutzende von Werken pro Jahr produzieren, ohne dass sich jemand damit beschäftigt.

Das kulturelle Gegenbeispiel ist Vicente Segrelles, ein valencianischer Illustrator, Autor von El mercenario, einem Comic, der bis zum achten Band ein Jahr pro Album in Ölmalerei benötigte, bevor er zum Computer wechselte. Er wird als jemand bezeichnet, der in Fachkreisen bekannt, aber in spanischen Mainstream-Medien kaum referenziert wird. Manche behaupten, wäre er in den USA geboren, wäre er berühmter als Frank Frazetta. Dies lässt sich nicht überprüfen, illustriert aber das Argument.

Gelernter Geschmack und andere Autoritätsargumente

Gegen die Betrugsthese wird das Argument des gebildeten Gaumens ins Feld geführt. So wie jahrelanges Hören eines Genres die Tür zu anderen schließt, lehnt ein im Realismus geschulter Geschmack die Avantgarde aus Gewohnheit ab, nicht wegen mangelnder Qualität. Dies wäre der Expositions-Bias angewandt auf das Museum.

Der Einwand lautet, dass die Logik in beide Richtungen funktioniert: Wenn alles gelernter Geschmack ist, kann niemand behaupten, Kubismus sei Müll, aber auch nicht, dass er genial sei. Dies ist der einzige Punkt, an dem beide Lager unwissentlich übereinstimmen.

Mit diesen Grundlagen deutet alles darauf hin, dass der Markt weiterhin die Unterschrift bezahlt und nicht den Pinselstrich, und dass Illustratoren, die heute Ordner füllen, weiterhin in Lehrbüchern fehlen werden. Der Durchbruch der KI könnte diese Verteilung verändern. Oder die Dinge genau dort belassen, wo sie sind.