Elektronische Musik sucht ihr eigenes Meisterwerk

Kraftwerk, Luis Cobos und der unmögliche Kanon der Elektronik

Hat die elektronische Musik Meisterwerke? Diese Frage bleibt seit Jahrzehnten unbeantwortet, und die Debatte ist voll entbrannt. Jemand stellt die These auf, dass Elektronik als Metamusik fungiert, die durch ihre Abstraktion alle anderen Genres umfasst. Sofort folgt der klassische Einwand: Meisterwerke sind Beethovens Fünfte oder Sibelius’ Fünfte – Stücke, die Formen brechen und den Hörer erschüttern. Skeptiker argumentieren, ein Synthie-Track mit diesem Label zu versehen, sei ein gewagtes Unterfangen.

Daraufhin folgen weitere Vorschläge. Niemand hat den Kanon abschließend definiert. Bei einem Genre, das laut seinen Anhängern endlos ist, sollte dies nicht überraschen.

Warum fällt es schwer, einen elektronischen Track als Meisterwerk zu bezeichnen?

Weil er an Maßstäben gemessen wird, die das Genre bewusst bricht. Der klassische Ansatz verlangt nach explodierenden Strukturen, Überraschungsmomenten und einer emotionalen Wucht, die den Hörer aus dem Gleichgewicht bringt. Nach dieser Logik scheidet die Hälfte der Elektronik aus. Die Verteidiger kontern einfach: Der Wert liegt nicht in der überlieferten Form, sondern im Rhythmus, der Hypnose und den Texturen, sowie in der Fähigkeit, Welten zu evozieren, die anders nicht darstellbar wären.

Vorsicht bei Nuancen, denn nicht alle Verehrer des Genres akzeptieren den Begriff. Manche betrachten es als Sprache der Zukunft, weigern sich aber, ihm die Medaille eines Meisterwerks zu verleihen. Das Vokabular ist das Schlachtfeld.

Die Metamusik-These und die multisensorische Zukunft

Der Einstieg ist kühn. Es wird behauptet, elektronische Musik sei die Metamusik, die alle anderen Stile in Bezug auf Abstraktion übergreift, weshalb diese zunehmend untergeordnet werden. Das Argument klingt pathetisch: Das Genre steckt noch in den Kinderschuhen, seine Entwicklung hängt eng mit der Technologie zusammen und wird daher immer eine unentdeckte Welt bleiben.

Am auffälligsten ist das Versprechen. Wenn Elektronik nicht nur gehört, sondern auch berührt, geschmeckt und physisch gespürt werden kann, werden Drogen obsolet. Dies ist eine Hypothese ohne Datum, Daten oder heutige Überprüfbarkeit, fasst aber gut das Aura des Sektors zusammen: stets einen technologischen Fortschritt vor der nächsten Revolution zu stehen.

Ein Kanon, der sich aus Vorschlägen zusammensetzt

Zwischen Thesen tauchen konkrete Namen auf. Die üblichen Verdächtigen jeder ernsthaften Diskussion über Elektronik erscheinen: Kraftwerk, oft als Einfluss von New Order zitiert; Aphex Twin, dessen Remix für Nine Inch Nails als Wunderwerk gilt; Burial, schlicht als feiner Zimt beschrieben; Yello mit ihren Soundeffekten der Achtziger; oder The Age of Love, datiert auf 1990.

Eine kuriose Anekdote kursiert: Liam Howlett von The Prodigy soll zugeschrieben haben, dass der erste vollständig synthetisierte Track von einer Rockband stammte. Bis dahin, so die Erinnerung, experimentierten nur klassische Musiker wie Berio mit diesen Geräten. Die Behauptung steht im Raum, ohne Quellenbeleg, und bleibt dort.

Ein Beispiel für die zentrale Spannung: Jemand postet einen Pogre-Rock-Track, und die Antwort ist eindeutig. „Unglaublich, aber das ist keine elektronische Musik.“ Die Grenzen des Genres sind genauso umstritten wie sein Kanon.

Der Fall von 1995 und das unerwartete Meisterwerk

Der ungewöhnlichste Beitrag bricht das Muster. Nur ein einziges Stück verdient für seinen Fürsprecher den Titel eines Meisterwerks, und es ist weder Techno noch Ambient. Es handelt sich um ein Werk von 1995, mit lateinischen Evangeliumsversen aus Lukas, gesungen vom Knabenchor der Escolanía de San Lorenzo del Guanol, komponiert von Luis Cobos. Die Wahl lässt die Frage offen, was im Kopf des Autors vorging, um dorthin zu gelangen.

Dass der überzeugendste Kandidat genau die Klischees des Genres bricht, zeigt die Schwierigkeit, den Begriff festzulegen. Die Liste der Vorschläge überrascht durch ihre Vielfalt.

Vom Vinyl zur CD, die kaum jemand hören konnte

Nostalgische Erinnerungen spielen eine große Rolle. Man erinnert sich daran, wie Tracks wie Pop Corn Anfang der Siebziger im spanischen Radio liefen, und wie dieser Klang, mehr als die Melodie selbst, viele fesselte. Von dort führt der Weg zu Walter Carlos, Pink Floyd und schließlich zur New Wave Ende der Achtziger. Dieser Rückblick erklärt, warum einige der geforderten Werke keine Hits waren, sondern Kult-Raritäten.

Auch materielle Details kommen zur Sprache: Synthpop-Bands veröffentlichten CDs, als kaum jemand Abspielgeräte besaß, und verkauften, laut einem Forum-Nutzer, keine einzige. Die Anekdote, zweifelnd erzählt, deutet darauf hin, dass die Elektronik vor dem Gerät kam, um sie zu hören.

Fazit: Ein Genre, das danach strebt, alle anderen zu unterordnen, kann sich seit Jahrzehnten nicht einmal einigen, welches sein erster Track war. Fast scheint dies eine Tugend zu sein.