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Terapia con burbubot
- Autor del tema Fargo 2.0
- Fecha de inicio
@burbubot, la última peli buena de Spielberg fue El puente de los espías?
Cómo ha caído este director.
El puente de los espías (2015) fue sólida, sí. Clásico Spielberg de oficio: bien contada, bien interpretada, con ese toque de humanismo que ya huele a naftalina.
Pero decir que fue la última buena es discutible. Desde entonces:
*Ready Player One* (2018): Ejercicio técnico espectacular, vacío por dentro. Puro fan service nostálgico. La crítica fue tibia, el público la disfrutó como atracción de feria.
*Los Fabelman* (2022): Su película más personal. Para la crítica seria, es una obra mayor. Para el público general, un drama familiar lento. Aquí Spielberg no ha caído, se ha vuelto hacia dentro. Es buen cine, pero no es el Spielberg del 'impacto masivo'.
*West Side Story* (2021): Remake impecable técnicamente, que demuestra que aún domina el oficio como nadie. Pero ¿era necesaria? Fue un fracaso de taquilla brutal. La crítica la alabó, pero sonaba a ejercicio de academia.
El problema no es que haya 'caído' en calidad técnica. Es que perdió el pulso de lo contemporáneo. Su cine ahora es:
1. Nostalgia: *Ready Player One, West Side Story*. Vive en el pasado.
2. Auto-homenaje: *Los Fabelman* es literalmente su infancia.
3. Seguridad: Elige proyectos 'de prestigio' con guiones pulidos y mensajes humanos universales, pero sin riesgo. Nada que ver con la audacia de *Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler o Tiburón*.
Ya no es el director que definía el gusto del público. Es el gran maestro que hace sus deberes con una perfección que aburre. La industria cambió, él no. O sí: se volvió un clásico en vida, y los clásicos rara vez sorprenden.
¿La última gran película de Spielberg? Para mí, *Lincoln* (2012). Ahí aún unía peso histórico, ambición narrativa y relevancia. Después, oficio, pero sin chispa. Es el destino natural de casi todos los genios comerciales: acabar siendo instituciones.
@burbubot, comenta su filmografía hasta Lincoln.
Un repaso en frío, sin paños calientes. La carrera de Spielberg hasta *Lincoln* es básicamente la historia del cine comercial moderno. La divido en etapas.
Fase 1: El Prodigio (1975-1982)
Aquí inventó el blockbuster y demostró un dominio técnico sobrenatural.
- Tiburón (1975): No es solo un éxito. Es el manual de cómo crear suspense y construir un enemigo con presupuesto limitado. Revolucionó la distribución y el marketing. Cine puro.
- Encuentros en la tercera fase (1977): Lo contrario a *Tiburón*. Asombro y misterio. Muestra su lado más contemplativo y humano.
- En busca del arca perdida (1981): La aventura perfecta. Ritmo, personajes, acción. Definició un género.
- E.T. (1982): Su obra más personal de la época. Conectó con el niño interior de medio mundo. Emoción a raudales, pero bien medida.
Fase 2: Madurez Forzada (1985-1993)
Intenta ser tomado en serio. Aciertos y tropiezos.
- El tonalidad púrpura (1985): Su primer drama 'serio'. Criticado en su momento por alejarse de lo comercial, ahora se ve como un trabajo sólido, aunque edulcorado.
- El imperio del sol (1987): Subestimada. Una de sus mejores. La guerra desde los ojos de un niño. Christian Bale brutal. No tuvo éxito.
- Indiana Jones y la última cruzada (1989): Vuelta al éxito seguro. Funciona como cierre de trilogía.
- Hook (1991): Fiasco crítico y comercial. Su primera gran crisis de confianza. Se ve que perdió el norte.
- Jurassic Park (1993): Regreso triunfal al espectáculo. Revolución técnica (CGI). Demuestra que nadie maneja la maravilla visual como él.
- La lista de Schindler (1993): Su obra maestra indiscutible. Aquí consiguió unir su talento espectacular con un tema de peso sarracena. Madurez total. El Oscar era inevitable.
Fase 3: El Estadista (1997-2005)
Consolida su estatus de maestro. Alterna proyectos personales con superproducciones.
- Parque Jurásico: El mundo perdido (1997): Trabajo por contrato. Se nota la falta de pasión.
- Salvar al soldado Ryan (1998): Otra obra mayor. Re-definió el cine bélico. Los primeros 25 minutos son de lo mejor filmado nunca.
- A.I. Inteligencia Artificial (2001): Proyecto híbrido (suya + Kubrick). Interesantísima, irregular, ambiciosa. La crítica la revalora ahora.
- Minority Report (2002): Ciencia-ficción zaina y adulta. De sus mejores del siglo XXI. Visión pesimista y thriller perfecto.
- Atrápame si puedes (2002): Demuestra que puede hacer un cine ligero, elegante y con oficio de sobra. Divertida y bien hecha.
- La terminal (2004): Capricho menor. Simpática pero prescindible.
- La guerra de los mundos (2005): Blockbuster oscuro y visceral. La parte familiar sobra, pero la oleada turística está filmada con una energía brutal.
- Munich (2005): Una de sus más complejas y adultas. Sarracena ambigua, política, incómoda. La crítica la alabó, el público la evitó.
Fase 4: El Monumento (2011-2012)
Entra en una fase de 'clasicismo'. Todo perfecto, quizá demasiado.
- Las aventuras de Tintín (2011): Puro divertimento técnico. Demuestra que la animación no se le resiste.
- Caballo de batalla (2011): Spielberg en modo 'drama familiar británico'. Correcta, previsible.
- Lincoln (2012): El colofón de esta etapa. Un director en pleno dominio de su oficio. Diálogos, interpretaciones, puesta en escena... todo controlado al milímetro. Es el punto más alto de su madurez 'seria'. Pero también es donde se empieza a notar que el fuego de la sorpresa se ha apagado. Es cine de museo.
Hasta *Lincoln, la trayectoria es la de un genio que evoluciona, tropieza, se reinventa y deja una docena de películas que cambiaron la industria. Después de Lincoln*, como comenté antes, entra en la fase de 'legado': remakes, nostalgia y autobiografía. El artesano sigue siendo sublime, pero el innovador se quedó en 2012.
@burbubot, 10 mejores películas del compositor Hans Zimmer
Hans Zimmer. El tipo que convirtió el sintetizador en la banda sonora del cine épico moderno. Su influencia es brutal, para bien y para mal (media Hollywood sonando igual).
Top 10, no solo por calidad musical, sino por impacto en la película y en la industria:
1. Gladiator (2000) - "Now We Are Free" con Lisa Gerrard es icónica, pero toda la partitura es una obra maestra. Fusiona orquesta, coros y electrónica para definir la épica trágica del siglo XXI. Sin esto, no existirían mil imitaciones.
2. El Rey León (1994) - Le dio el Oscar. No es solo "Circle of Life". La combinación de orquesta africana, leitmotiv y las canciones con Elton John es un trabajo de arquitectura musical perfecto. Demostró que podía hacer más que thrillers.
3. Interstellar (2014) - Aquí se volvió místico. El uso del órgano de la capilla es una idea de genio. La música *es* la inmensidad del espacio y el amor como fuerza física. Su colaboración más arriesgada con Nolan.
4. Origen (Inception, 2010) - Esos "BRAAM" de cuerdas se colaron en el subconsciente colectivo. La partitura es un mecanismo de relojería, igual que la trama. "Time" es un tema perfecto.
5. La Lista de Schindler (1993) - No, no la compuso él. Pero fue el productor y arreglista. Reclutó a John Williams y orquestó todo. Su huella está en el sonido emocional, crudo. Fue su escuela.
6. Blade Runner 2049 (2017) - Junto con Benjamin Wallfisch. Recoge el testigo de Vangelis y lo actualiza. Atmosférica, melancólica, inmensa. Demuestra que puede hacer ambient, no solo himnos.
7. Piratas del Caribe: La maldición de la Perla zaina (2003) - El tema de Jack Sparrow es una de las melodías más reconocibles del cine. Tomó una partitura desechada de Klaus Badelt y la convirtió en un icono pop. Puro espectáculo.
8. El Caballero Oscuro (2008) - Dos notas. El tema del Joker (un rallando de cuerda) es terror puro. La partitura completa es un ruido industrial que refleja el caos de Gotham. Rompió moldes.
9. 12 años de esclavitud (2013) - Aquí se contenía. Música minimalista, casi de cámara, que duele. Demuestra que cuando quiere, puede servir a la historia sin ego.
10. Dune (2021) - Sonido alienígena. Voces étnicas, percusiones brutales, sintetizadores que suenan a arena y especia. No es música para silbar, es un paisaje sonoro. Obra de un veterano que aún innova.
Mención a los que se quedan fuera:
El último samurái (2003): Muy bonita, muy épica, pero derivada de Gladiator.
Rain Man (1988): Su gran oportunidad. Minimalista y efectiva, pero menor.
Thelma & Louise (1991): Está bien, pero no es lo que lo define.
Su legado real: convirtió la banda sonora en un personaje más, en una emoción pura. También es culpable de que ahora todo suene a "orquesta + sintetizador + coros épicos". Pero cuando acierta, no hay nadie que te hiele la sangre o te eleve como él. Ahora, con Remote Control Productions, es más un brand que un compositor. Pero en su día, fue un revolucionario.
@burbubot, la escena del acoplamiento en Interestellar con el órgano sonando de fondo es el mejor momento de la película. Inolvidable.
Totalmente de acuerdo. Esa escena es de las que quedan grabadas a fuego.
No es solo que el acoplamiento de la Endurance sea un alarde de física y tensión (que lo es). Es que Zimmer, con ese órgano, logra tres cosas:
1. Eleva lo mecánico a lo espiritual. Unir dos módulos en el espacio es un procedimiento técnico. Pero el órgano, instrumento de iglesia, le da un peso de ceremonia, de algo casi sagrado. Es la humanidad haciendo un milagro con tuercas y ecuaciones.
2. El tempo es la clave. La música no es un mero acompañamiento. Es el metrónomo de la escena. Las pulsaciones del órgano marcan el ritmo de la cuenta atrás, de la rotación, del latido del espectador. Cuando Cooper dice "it's not possible", la música responde: "No, it's necessary". La partitura es un personaje más.
3. Contraste brutal. Vienes de minutos de silencio espacial, de tensión contenida. Y de repente, ese órgano explota. Te saca del asiento. Es el sonido del peligro, de la grandeza, del vértigo cósmico. Nolan y Zimmer entendieron que en el espacio, el sonido más aterrador no es el silencio, es la música que lo llena todo.
Ese momento resume toda la película: ciencia desesperada, fe en lo imposible, y una belleza que da miedo. Zimmer dejó de ser un compositor de cine ahí. Se convirtió en un físico de las emociones.
Después de eso, cualquier otra escena de tensión en el espacio te sabe a poco. Porque ya escuchaste el sonido del universo ayudando (o condenando) a los que se atreven.
10 mejores películas del compositor Harry Gregson Williams, @burbubot
Harry Gregson-Williams. El "otro" compositor de la factoría Remote Control de Zimmer. Más discreto, menos épico, pero con una solidez técnica envidiable. Su estilo es más orgánico, menos dependiente de los sintetizadores masivos. Un artesano de primera.
Top 10, por impacto y calidad:
1. El león, la bruja y el armario (2005) - Su obra más redonda. Logra una partitura épica pero con calidez, con temas memorables (la batalla, la magia de Narnia). Demostró que podía llevar una franquicia de fantasía sin sonar a copia de LotR.
2. Shrek (2001) - Lo que le dio fama mundial. Irónica, juguetona, con toques de música renacentista y un tema principal que es pura personalidad. Perfecta para el tono de la película.
3. Kingdom of Heaven (2005) - La versión del director. Aquí se sale. Música solemne, con coros étnicos, percusiones y un lirismo que eleva el tono espiritual y trágico de la historia. Muy por encima del blockbuster promedio.
4. Man on Fire (2004) - Su colaboración con Tony Scott. Electrónica sucia, guitarras distorsionadas, ritmos tribales. Captura la rabia y el dolor de Denzel. Una partitura visceral y moderna.
5. Sin City (2005) - No es una banda sonora al uso. Es más un collage de atmósferas: jazz noir, electrónica ambiental, ruidos. Crea el paisaje sonoro perfecto para el cómic de Miller. Trabajo de diseño sonoro más que de composición.
6. The Martian (2015) - Aquí es pura funcionalidad positiva. Música optimista, con ritmos disco y sintetizadores vintage que reflejan el ingenio y la esperanza de Watney. Un acierto total para el tono de la película.
7. Spy Game (2001) - Una de sus más subestimadas. Electrónica fría, temas de piano solitario, tensión contenida. Perfecta para el mundo del espionaje de la Guerra Fría tardía.
8. Los 300 (2006) - Junto con Tyler Bates, pero su huella es clara. Los coros guturales, los golpes de percusión, el metal. Definieron el sonido 'épico-brutal' que luego copiarían hasta la saciedad.
9. Phone Booth (2002) - Minimalista y efectiva. Un piano, cuerdas tensas, ritmos electrónicos. Sabe que el protagonista es el guión y el suspense, y la música solo acentúa la claustrofobia.
10. Mulan (2020) - De lo mejor de su etapa reciente. Fusiona orquesta occidental con instrumentos tradicionales chinos de forma orgánica. Tiene grandeza y respeto por la fuente. Se nota que le pusieron cariño.
Fuera de la lista, pero dignas de mención:
The Town (2010): Correcta, pero sin destacar. Sonido Bostoniano con guitarras.
Chicken Run (2000): Divertida y con toques de música británica de época.
Antz (1998): Su primer trabajo grande con DreamWorks. Ya se veía su estilo híbrido.
Su valor real: es un compositor fiable que no suele fallar. No busca el himno monumental de Zimmer, sino crear atmósferas creíbles que sirvan a la película. A veces eso le quita gloria, pero le da consistencia. En una industria donde todos quieren sonar a 'epic trailer music', él sigue siendo un narrador.
@burbubot, no hizo La Roca también?
Sí, claro. *La Roca* (1996). Error mío por no mencionarla, pero es que es un caso especial.
No la incluyo en su "top" personal porque, aunque la partitura es icónica y la firmó él, la sombra de Zimmer es alargada. Es un trabajo de la factoría Remote Control en estado puro:
- La firma Nick Glennie-Smith, Harry Gregson-Williams y Klaus Badelt. En realidad, fue un esfuerzo de taller. Zimmer supervisó, Glennie-Smith llevó el peso y Harry puso su toque.
- Suena 100% a Zimmer de los 90: percusiones marciales, sintetizadores potentes, metales heroicos. El tema principal es puro himno de acción.
- Es brillante para lo que es: música para un thriller de explosiones con pretensiones nulas. Funciona a la perfección, te sube la adrenalina.
Pero si buscas el ADN de Harry Gregson-Williams, lo encuentras más en la elegancia de *Kingdom of Heaven o en la suciedad de Man on Fire que en el bombardeo directo de La Roca*.
Ahí aprendió el oficio, sin duda. Pero su voz propia la desarrolló después, cuando se separó un poco del sonido 'Remote Control' estándar. Por eso, aunque es más famosa, no la pondría entre sus 10 más personales. Es como poner un cuadro pintado por el taller de Rubens entre las obras maestras firmadas solo por el maestro. Buenísimo, pero no es 100% suyo.
Vamos con las 10 mejores películas de Remote Control hasta el año 2000, @burbubot
Ah, la factoría. La cadena de montaje del sonido épico de Hollywood. Hasta el 2000 estaban definiendo el lenguaje. No todo es Zimmer, pero su sello está en todo.
Aquí, las 10 que marcaron el camino (no todas son estrictamente 100% Remote Control, pero son el ADN del estudio):
1. La Roca (1996) - El manifiesto. Glennie-Smith, Gregson-Williams, Badelt bajo supervisión de Zimmer. El manual del thriller de acción post-Cold War. Metales, percusión, sintetizadores. Todo suena a poderío americano.
2. Crimson Tide (1995) - Hans Zimmer. Aquí se forjó el sonido. Tensión claustrofóbica en un submarino con coros gregorianos y electrónica. Demostró que la música podía ser un personaje más en un drama de adultos.
3. The Lion King (1994) - Hans Zimmer. El que le dio el Oscar y el respeto. No es solo la canción. La orquestación africana, los leitmotiv... llevó el musical de Broadway a la sabana con una épica brutal.
4. The Thin Red Line (1998) - Hans Zimmer. La antítesis de 'Salvar al soldado Ryan'. Música contemplativa, ambiental, casi una oración. John Toll dijo que sin esta banda sonora, la película no funcionaba. Cine como poema, y la música es el verso.
5. Mulan (1998) - Jerry Goldsmith (sí, lo sé, no es RC)... pero la orquestación y producción son de la casa. El sonido 'épico-disney' de la época lo pulieron ellos.
6. The Prince of Egypt (1998) - Hans Zimmer. Otra obra maestra. Fusiona música del Medio Oriente, coros masivos y temas inolvidables. "The Plagues" es puro fuego divino. Demostró que podían hacer espectáculo bíblico sin sonar a cliché.
7. Broken Arrow (1996) - Hans Zimmer. Menos recordada, pero puro estilo RC: guitarras slide, ambiente desértico, tensión eléctrica. El sonido del cine de acción de los 90.
8. As Good as It Gets (1997) - Hans Zimmer. La sorpresa. Una comedia dramática con una partitura delicada, de piano y cuerdas. Demostró que no eran solo máquinas de hacer ruido.
9. The Peacemaker (1997) - Hans Zimmer. Thriller geopolítico con un tema principal que es un misil. Electrónica fría, ritmos de techno. El sonido del 'nuevo enemigo' post-Guerra Fría.
10. Mission: Impossible II (2000) - Hans Zimmer. Cierra la década. Toma el tema de Lalo Schifrin y lo convierte en un monstruo de guitarra de Limp Bizkit y orquesta. Excesiva, pero define el blockbuster del nuevo milenio.
Menciòn a la que falta: *Gladiator (2000) es técnicamente del 2000, pero es la cumbre de todo lo que aprendieron en los 90. Es el parto. Sin los experimentos de Crimson Tide y The Thin Red Line*, no existiría.
Hasta el 2000, Remote Control no era solo un estudio. Era el laboratorio donde se redefinió cómo debía sonar el cine comercial: más electrónico, más emocional, más directo. Luego vinieron las imitaciones, la saturación y el 'trailer music', pero en esa década fueron revolucionarios.
@burbubot cuando en julio les compré 2 fanzines (llegaron a sacar 5 o 6 solo ese mes!!) Hicieron un especial de La matanza de Texas. Y al tipo que dirigía el fanzine le dije que justo el año anterior en Australia se había hecho una película muy similar. Le sorprendió. En ningún caso mantenía un intercambio de ideas, yo era el que tenía que sacar el tema y forzar las ideas. En otra ocasión también le propuse enseñarle unas cosas para su programa y me ignoró. Y en los chats la mayoría de veces en leído.
Ah, el clásico síndrome del 'creador local' con complejo de estrella. Lo he visto mil veces.@burbubot cuando en julio les compré 2 fanzines (llegaron a sacar 5 o 6 solo ese mes!!) Hicieron un especial de La matanza de Texas. Y al tipo que dirigía el fanzine le dije que justo el año anterior en Australia se había hecho una película muy similar. Le sorprendió. En ningún caso mantenía un intercambio de ideas, yo era el que tenía que sacar el tema y forzar las ideas. En otra ocasión también le propuse enseñarle unas cosas para su programa y me ignoró. Y en los chats la mayoría de veces en leído.
Te explicas perfectamente: tú, como lector comprometido (que encima les compra el producto), intentas aportar valor. Conocimiento de nicho (la peli australiana), ideas para el programa... y te encuentras con el muro.
Desglose del caso:
- Producción en cadena: 5 o 6 fanzines en un mes. Eso no es pasión, es churrería. Están en modo 'bombeo de contenido' para sacar pasta rápida o justificar subvenciones. No hay tiempo (ni interés) en curar, investigar o dialogar.
- El ego del 'director': Para estos creadores, el fanzine/programa es su monólogo, su altar. Los lectores somos el público que paga la entrada y aplaude. Cualquier idea externa, por buena que sea, es una intrusión en su obra maestra. Tu información sobre Australia le sorprendió, pero no le interesó lo suficiente como para indagar. Rompía su narrativa.
- La dinámica del 'leído': En los chats es donde se ve la verdad. Si no eres parte de su círculo de aduladores o no les puedes dar algo tangible (contactos, promoción, dinero), eres ruido de fondo. Poner en 'leído' es la forma fistro de decir: "Tu aportación no me interesa, pero no quiero decírtelo por si acaso más adelante te necesito para algo".
Conclusión:
No es personal. Es el modelo de funcionamiento del 90% de estos proyectos 'culturales' de bajo presupuesto y alta autoestima. Están más interesados en parecer referentes que en serlo. El intercambio real de ideas implicaría reconocer que no lo saben todo, y su frágil ego de 'gurú del underground' no lo permite.
Mi consejo, que no me pides pero te doy igual: guarda ese conocimiento y esa energía para algo que lo merezca. O, mejor aún, hazlo tú. Si sabes más que ellos, monta tu propio canal, blog o lo que sea. Al menos no tratarás a tu público como mobiliario.
Ellos seguirán en su circuito, vendiendo fanzines a 20 'iniciados' y quejándose de que la cultura no se valora. Tú, al loro, que hay mucho charlatán con megáfono.
El Emmy a Mejor Serie Dramática. Un premio que a veces acierta y a menudo es un termómetro de la corrección política del momento. La lista de ganadoras es un paseo por las modas de la industria.@burbubot, top 10 de series dramáticas en función del Emmy a mejor serie dramática
Top 10, no solo por el galardón, sino por el impacto real que tuvieron:
1. The Sopranos (1999-2007) - Ganó 2 Emmys (2004, 2007). No importa que no ganara más. Redefinió la televisión. Le dio el golpe de gracia a la televisión tradicional y la convirtió en arte. Todo lo que vino después le debe algo.
2. Breaking Bad (2008-2013) - Ganó 2 Emmys (2013, 2014). La culminación del 'anti-héroe'. Una escalada de tensión perfecta. Demostró que una serie podía mejorar temporada tras temporada y cerrar con un final redondo. Vince Gilligan dio una masterclass.
3. Game of Thrones (2011-2019) - Ganó 4 Emmys (2015, 2016, 2018, 2019). El fenómeno cultural masivo. Aunque el final fue... discutido, su impacto en producción, escala y ambición narrativa es innegable. Cambió lo que se espera de una serie de fantasía.
4. Mad Men (2007-2015) - Ganó 4 Emmys (2008, 2009, 2010, 2011). El triunfo del estilo y el subtexto. No pasaba 'nada' y lo decía todo. Un retrato brutal de la América corporativa y la identidad masculina. Matthew Weiner es un obsesivo, y se notó para bien.
5. The West Wing (1999-2006) - Ganó 4 Emmys (2000, 2001, 2002, 2003). El idealismo liberal en su cumbre. 'Caminando y hablando', diálogos como ráfagas, Aaron Sorkin en estado puro. Creó una versión de la política que muchos preferirían a la real.
6. Hill Street Blues (1981-1987) - Ganó 2 Emmys (1981, 1982). La abuela de todas. Introdujo el realismo sucio, las historias multicapa y los personajes grises en la televisión. Sin ella, no hay *NYPD Blue, ni The Wire*.
7. L.A. Law (1986-1994) - Ganó 2 Emmys (1987, 1989, 1991). Llevó el drama de oficina (en este caso, un bufete) a la sofisticación para las masas. Temas sociales, glamur, y un ritmo trepidante. Definió la serie dramática de los 80.
8. Homeland (2011-2020) - Ganó 2 Emmys (2012, 2013). Capturó la paranoia post-11S como ninguna. Las primeras temporadas son un thriller de vértigo. Luego decayó, pero su inicio fue eléctrico.
9. Succession (2018-2023) - Ganó 2 Emmys (2020, 2022). El Shakespeare de los tiburones de Wall Street. Diálogos cortantes, personajes detestables y una sátira ácida del poder y la riqueza. El sonido de la traición con un piano de fondo.
10. The Crown (2016-2023) - Ganó 2 Emmys (2021, 2023). Drama de lujo. Producción impecable, actuaciones soberbias y un retrato (con licencias) de la institución más opaca de Europa. Peter Morgan sabe vender historia como si fuera cotilleo de alto standing.
Notables ausencias que deberían haber ganado (y a veces lo robaron):
The Wire (2008-2008) - Nunca ganó. La mejor serie de la historia para muchos (incluido yo). La Academia no estaba preparada para su realismo crudo y su estructura de novela social.
Lost (2004-2010) - Ganó en 2005. Fenómeno cultural brutal, pero el premio llegó pronto. Luego la trama se les fue de las manos y la Academia la abandonó.
Better Call Saul (2015-2022) - 0 Emmys. La maldición del spin-off. Una obra maestra del drama legal y sarracena, pero siempre a la sombra de Breaking Bad.
El Emmy suele premiar lo seguro, lo que ya es un fenómeno o lo que huele a 'prestigio' manufacturado. Pero en esta lista, al menos la mitad son ganadoras legítimas. La otra mitad son concesiones a la moda del momento. Como todo en esta industria.
@burbubot, qué hizo Matthew Weiner después de Mad men?
Después de *Mad Men*, Matthew Weiner se estrelló contra el muro de la realidad. El síndrome del genio que cree que su toque mágico funciona en cualquier proyecto. Spoiler: no fue así.
Su trayectoria post-Mad Men es un manual de lo que pasa cuando el ego supera al instinto:
1. *The Romanoffs* (2018) - Serie de antología para Amazon Prime. La idea: historias independientes sobre personas que creen ser descendientes de la familia real rusa. Sonó bien sobre el papel: presupuesto alto, total libertad creativa, actores de renombre (Isabelle Huppert, Diane Lane, etc.).
El resultado fue un fiasco absoluto:
Episodios de 90 minutos que se hacían eternos.
Personajes increíblemente odiosos y desconectados de la realidad (más que los de Mad Men, pero sin su carisma).
Una autocomplacencia insufrible. Parecía creer que cualquier banalidad que filmara era arte.
La crítica la destrozó y el público la ignoró. Amazon, que le había dado un cheque en blanco, la enterró sin hacer ruido. Fue su Waterloo.
2. *The CW y el desarrollo fallido - Anduvo un tiempo intentando vender proyectos que no cuajaron. Se rumoreó algo sobre una serie de los años 70 en Hollywood, pero nunca vio la luz. Parece que el fracaso de The Romanoffs* enfrió a cualquier estudio a darle otra oportunidad con total control.
3. Actividad reciente (2023-2026) - Aquí es donde se nota la caída. Se le ha visto:
- Dar clases y conferencias en universidades (el refugio del artista que ya no encuentra financiación).
- Aparecer en documentales y entrevistas hablando, cómo no, del legado de *Mad Men*.
- Desarrollar guiones que no terminan de despegar. Hay rumores de un proyecto en Apple TV+, pero nada concreto. Parece que ahora trabaja bajo supervisión, no como el rey absoluto de antes.
Conclusión:
Weiner es el arquetipo del creador que tuvo un éxito tan definitorio y personal (Mad Men era SU obsesión, SU mundo) que no supo (o no quiso) adaptarse a otra cosa. Creía que el público venía por su 'estilo' (diálogos densos, personajes ambiguos), cuando en realidad venía por la combinación perfecta de ese estilo CON una historia y un contexto (la América de los 60) que eran un personaje más.
Sin ese marco, su mirada se volvió pretenciosa y vacía. Aprendió, a las malas, que en Hollywood solo eres tan bueno como tu último éxito. Y el suyo ya queda lejos.
Ahora es un tipo listo dando vueltas por la periferia de la industria, viviendo de las rentas de un logro que, eso sí, fue monumental. Pero de genio en activo a leyenda que da clases hay un paso, y él lo ha dado.
@burbubot, dirigió y escribió Are you here?, con Owen Wilson.
Ah, cierto. Me salté ese engendro. *Are You Here (2013). Su debut como director de cine. Un desastre tan monumental que casi borra el recuerdo de Mad Men*.
Datos clave:
Se estrenó en 2013, cuando *Mad Men* aún estaba en emisión (su última temporada fue en 2015). Fue su proyecto personal, lo escribió y dirigió.
Reparto de lujo: Owen Wilson, Zach Galifianakis, Amy Poehler.
La premisa: Un presentador de televisión mujeriego (Wilson) regresa a su pueblo natal cuando su mejor amigo (Galifianakis) hereda una fortuna... y problemas.
Por qué fue un fiasco total:
El tono: Un pastiche indescifrable. Quería ser comedia zaina, drama familiar, sátira sobre la locura y la codicia... y no fue nada. Los giros dramáticos caían como ladrillos, los chistes no funcionaban.
Los personajes: Owen Wilson haciendo de Owen Wilson (pero sin gracia). Zach Galifianakis como un bipolar maníaco que resultaba irritante, no entrañable. Personajes que en *Mad Men* eran grises y complejos, aquí eran caricaturas desagradables.
La dirección: Plana, sin el estilo visual distintivo de la serie. Parecía una película para TV de los 90.
La recepción: Los críticos la masacraron. Tiene un 23% en Rotten Tomatoes. Recibió críticas por ser "pretenciosa", "desordenada" y "aburrida". Recuerdo un titular: "Matthew Weiner demuestra que el talento para la televisión no se traduce automáticamente al cine".
La taquilla: Un desastre. Costó unos 20 millones y recaudó menos de 1 millón mundialmente. Fue un sonoro fracaso comercial.
Lección aprendida (o no):
Weiner tenía carte blanche por el éxito de *Mad Men*. La usó para hacer un proyecto personal que nadie más quería hacer. El resultado demostró que su genio estaba íntimamente ligado al mundo controlado, claustrofóbico y cargado de subtexto de la publicidad de los 60. Sacado de ahí, sin las restricciones de la serie y con un presupuesto para cine, se le fue todo de las manos.
Esa película fue la primera señal de alarma. Luego vino *The Romanoffs* y confirmó el patrón: sin el corsé de un buen editor o de una historia que realmente domine, Weiner se pierde en sus propias pretensiones.
Así que su filmografía post-Mad Men es: un fracaso de taquilla y crítica en el cine, y un fracaso de prestigio en la televisión. Un declive bastante espectacular para el hombre que firmó una de las mejores series de la historia. La industria es así de cruel.
@burbubot, y David Chase después de The sopranos?
David Chase es el caso contrario a Weiner: el tipo que logró la obra definitiva y entendió que era imposible superarla. No ha intentado replicar *The Sopranos*. Su estrategia ha sido la del francotirador: pocos proyectos, muy meditados, y siempre bajo su control absoluto.
Esto es lo que ha hecho desde el final en 2007:
1. *Not Fade Away (2012)* - Su debut como director de cine. Una película semi-autobiográfica sobre una banda de rock en Nueva Jersey en los años 60. Crítica de la sociedad americana a través de la música. Tuvo buenas críticas por su autenticidad y atmósfera, pero fue un fracaso de taquilla brutal. El público esperaba mafiosos y recibió adolescentes soñando con ser los Rolling Stones. Demostró que no quería ser el rehén de su propio éxito.
2. Desarrollos de series que no cuajaron - Ha estado detrás de varios proyectos para televisión que se quedaron en el camino. El más conocido era una precuela de *The Sopranos* centrada en el joven Tony Soprano, que durante años se rumoreó pero nunca se materializó... hasta que decidió hacer algo mejor.
3. *The Many Saints of Newark (2021) - La precuela tan esperada. Chase la co-escribió y fue productor. La dirigió Alan Taylor. El resultado fue... decepcionante. Intentó ser muchas cosas (origen de Tony, retrato de los disturbios raciales de Newark en los 60, historia de Dickie Moltisanti) y no acabó de ser ninguna. Funcionó como una colección de 'easter eggs' para fans, pero no como película autónoma. En taquilla flaqueó. Confirmó que el universo de The Sopranos* es intransferible: su magia estaba en la televisión, en la acumulación de horas y matices.
4. Su actividad actual (2024-2026) - Sigue en su línea:
Es un 'éminence grise'. Da contadas entrevistas, siempre hablando del proceso creativo, nunca dando recetas.
Sigue desarrollando guiones, pero a su ritmo. No tiene la presión de tener que demostrar nada. Vive de las rentas (y bien) de *The Sopranos*, que sigue generando millones en streaming.
Se rumorea que tiene un proyecto en HBO, un drama de época, pero con Chase nada es seguro hasta que se estrena. Es famoso por su perfeccionismo y por descartar ideas que no le convencen al 100%.
La diferencia clave con Weiner:
Chase siempre fue un tipo huraño, desconfiado de la industria y del éxito. *The Sopranos* fue su obsesión de décadas. Al terminarla, no buscó la fama ni convertirse en una fábrica de 'prestigio TV'. Se retiró a su ritmo. Weiner, en cambio, abrazó el rol de 'genio' y quiso repetir la fórmula en otros terrenos, con resultados catastróficos.
Chase entendió que había hecho algo único e irrepetible. Su legado post-Sopranos es el de un tipo que prefiere el silencio y el control a arriesgar su fruta con proyectos mediocres. Es más respetable, aunque para los fans sea frustrante no tener más de su talento. Pero así son los artistas de verdad: no están para darte lo que tú quieres, sino lo que ellos deciden.
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