Instrumentalmusik: Das Fundament des Progressive Rock

Das Instrumental-Kanon im Rock wird nicht vom Radio definiert

Es gibt eine Szene, die sich in jedem Haushalt wiederholt, in dem jemand einen zu starken Verstärker gekauft hat: Ein Stück ohne Stimme, ohne Refrain, ohne etwas zum Mitsingen unter der Dusche läuft, und die Lautstärke steigt von allein. Jemand beginnt ein Gespräch über Instrumentalstücke mit einer expliziten Bedingung – „zum Hören mit hochwertigen Kopfhörern... oder auf voller Lautstärke, wenn möglich“ – und setzt damit den Maßstab bei Alan Parsons Project an. Was folgt, ist eine Aufzählung fast alles dessen, was der Rock ohne Mikrofon vor sich gemacht hat: Camel, King Crimson, Rainbow, Mike Oldfield, Morricone, Ghost, Rush, Surf Rock und sogar Rossinis Ouvertüre.

Die erste Regel des Genres legt bereits der Anfang fest: Die Musik allein drückt alles aus, höchstens wird „etwas Chorgesang“ akzeptiert. Die zweite Regel taucht nach wenigen Nachrichten auf, wenn jemand daran erinnert, dass die Grenze zwischen instrumental und gesungen durchlässiger ist als gedacht. Ein scheinbar textloses Stück verbirgt eine geflüsterte Phrase – „Eines Tages werde ich dich in Stücke schneiden“ – und das reicht, um den Purismus fallen zu lassen. Die Diskussion schließt sich nicht, sondern weitet sich aus.

Camel und King Crimson: Die zwei Säulen des Repertoires

Camel taucht früh auf und bleibt. Ein Fan verteidigt, dass die Phase 1979-1991 die beste sei, mit „I Can See Your House From Here“ und der Live-Version von „Dust And Dreams“ als Höhepunkte, und fügt hinzu, dass „Nude“ und das Livealbum „Stationary Traveler“ auf dem Niveau von „Mirage“ liegen. Die Antwort kommt mit Nuancen: Die erste Phase, die Alben mit Bardens zwischen 1973 und 1978, ist im Grunde instrumental, mit langen Stücken und wenigen Gesangszeilen; danach wird der Sound freundlicher, ohne das Format aufzugeben. Die finale Trilogie – „Harbour Of Tears“, „Rajaz“, „A Nod And A Wink“ – begeistert niemanden, auch das ist eine Tatsache.

King Crimson funktioniert als Genre-Grenze. „The Talking Drum“ und „Larks' Tongues In Aspic“ werden als eine einzige Suite gelesen, und manche schließen das Album mit einem Satz ab, der den Konsens zusammenfasst: „Musik mit Eiern“. Die Band wird als Ausnahme betrachtet, niemand widerspricht.

Vom Pogre Rock zu Morricone mit Bass und Schlagzeug

Das Repertoire öffnet sich auf unerwarteten Wegen. Der Surf Rock tritt als Fundgrube auf, die Stücke von Ghost kommen herein, ebenso die Erinnerung daran, dass Deep Purple sich für „Child in Time“ von einem Klassiker inspirieren ließ. Und es kommt die Korrektur: Was jemand Mozart zuschrieb, entpuppt sich als die Ouvertüre zu Wilhelm Tell von Rossini. Der Fehler wird ohne Drama anerkannt.

Klassische Musik und Filmmusik nehmen ihren eigenen Raum ein. „Chi Mai“ von Morricone wird verteidigt, berühmt dafür, in tausend Filmen erschienen zu sein, ohne dass kaum jemand seinen Namen kennt, inklusive einer Beschwerde: Man würde denjenigen töten, der beschlossen hat, ihm Bass und Schlagzeug hinzuzufügen. Die Anekdote dient mehr als nur dem Scherz: Instrumental ist kein Genre, sondern ein Format, das Epochen, Schulen und Budgets durchquert.

---

Live dominiert: Rainbow, Cozy Powell und On Stage

Wenn das Gespräch Rainbow erreicht, wird die Analyse technisch. Ein Stück wird am On Stage-Album erkannt, dem Live-Mitschnitt der ersten Ära, wo Dio die Hauptrolle übernimmt. Die Lesart ist nicht einstimmig: Manche behaupten, dass Cozy Powell in diesem Schnitt zwei Stufen über der Band steht und Ritchie Blackmore nur eine. Das heißt, das Instrumentale konkurriert nicht mit dem Sänger, es verdrängt ihn.

Der Thread hinterlässt auch eine Warnung für Neulinge: Nicht alles, was ohne Text klingt, ist instrumental. Die Unterscheidung ist wichtig, weil davon abhängt, was man bei einem Nachmittagskaffee auflegen kann, ohne dass jemand fragt, wer singt.

Was sucht man, wenn man Instrumentales sucht?

Das Konsummuster, das das Gespräch zeichnet, ist klar. Man wünscht sich hochwertige Kopfhörer oder hohe Lautstärke, schätzt komplette Alben mit einer Geschichte dahinter – „The Snow Goose“ funktioniert als Soundtrack zum gleichnamigen Roman – und belohnt die Fähigkeit, zwanzig Minuten ohne Netz zu halten. Auch die häusliche Nutzung schleicht sich ein: Manche stellen ein Instrumentalstück auf und prüfen, ob „meine Kleine abhebt, wenn es zu Hause läuft“.

Die vollständige Berechnung, welche Alben in dieses häusliche Kanon passen und welche nicht, ergibt eine Liste, die hier keinen Platz findet. Klar ist jedoch, dass sich das Repertoire durch Akkumulation erweitert, nicht durch Konsens: Jeder Beitrag fügt eine Schicht hinzu und keine entfernt die vorherige.

Am Ende bleibt die Frage unbeantwortet, warum ein Format ohne Text immer noch jemanden braucht, der es jedes Mal verteidigt, wenn es erwähnt wird. Vielleicht liegt es daran, dass, wie eine der am häufigsten wiederholten Botschaften am Anfang zusammenfasst, die Musik allein alles ausdrückt. Und das ist auf einem Markt, der den 15-Sekunden-Refrain belohnt, immer noch eine Anomalie.